學鋼琴 on 檸檬卷 Janet

成人學鋼琴來得及嗎？初學者三個最常問的問題

Sat, 29 Aug 2026 21:16:50 +0800

我每次跟別人自我介紹，說我是鋼琴老師的時候，大家的反應都是：「哇！難怪你那麼有氣質！」

沒有啦！大家的反應常常是：「那都是教幾歲的小孩？」，然後我跟他們說：「我教成人比較多耶！從 20 歲到 60 幾歲都有！」他們都會覺得很震驚！

這不禁讓我在想，為什麼大家預設學鋼琴的都是小孩呢？

其實一直以來都有很多成人想學鋼琴，只是他們通常比較低調，不想大張旗鼓讓大家知道自己有在學鋼琴、怕彈不好會不好意思（或是想要某天一出手就震撼全場？）

另外就是，大家常常覺得，彈得好的都是從小學上來的，成人才開始學，比較難彈好，所以在大家的印象中，成人初學者好像比較少。但其實，學鋼琴不是小朋友的專利！

講到這邊，可能有人會問：「可是成人學鋼琴還來得及嗎？手指會不會都不靈活了？」只要你不是立志要當職業演奏家，而是想要自己學一項興趣、偶爾彈給別人聽、或甚至是在教會司琴，成人開始學，不管幾歲，都來得及。重點不是現在開始會不會太晚，而是你開始了沒。

我自己教學快十年，看過非常多成人學生會遇到的狀況。我今天要來回答三個「成人初學鋼琴」最常問的問題，希望可以給還在猶豫要不要開始學、或是剛開始學琴的你，一些實用的建議跟參考。

一、初學鋼琴可以直接自學嗎？一定要找老師嗎？

雖然成人的理解力還不錯，但我不太建議完全初學的人一開始就自學，因為學鋼琴除了頭腦理解之外，還需要大量實際彈奏的經驗，這個過程最好是有人在旁邊引導；如果都是靠自己練習，會有盲點、不知道過程中該注意什麼，很容易養成一些不好的習慣，比如只能看著手彈、視譜能力很弱、不會數拍子、彈錯了就習慣停下來等等。

再來是會不知道怎麼掌控自己的進度、或適合自己的樂譜，常常可能會不小心「越級打怪」，選了超出自己程度的曲子，練到後面卡關；更嚴重的是，如果姿勢不對，練久了還可能練到受傷，之後要花更多時間修正動作。

現在網路上的資源真的很多，如果你以前已經有上過鋼琴課、有過紮實的訓練，不管是找樂譜、聽教學，我想應該可以判斷內容是否適合自己。

所以結論是：剛開始慢一點，其實會比較快。最好還是先找老師，帶你打好基礎，之後你想自學、找資源精進，都會更有方向。

二、成人手指已定型、不靈活了？小孩學比較快？

如果是完全沒學過鋼琴、或其他樂器的成人，平常除了打打鍵盤之外，好像沒有太多需要單獨運用手指頭的機會，所以一開始學鋼琴要去用到每根手指，可能會覺得比較不習慣，這也是為什麼會有「手指不靈活」的感覺。

但其實要彈好鋼琴，先天的靈活度並沒有差這麼多。只要一開始就用對、健康的方式來彈奏，並不會因為手指不靈活而受限，還可以少走一點彎路、避免會練到受傷的情形。

當然有些曲子的技術上真的比較困難，如果你彈起來就是覺得卡卡的，可能是某些技巧上出了問題。如果你是鋼琴初學者，當然就是詢問老師來幫助你解決最快。如果你已經有一定的鋼琴基礎、有穩定上過鋼琴課，但覺得還是有技巧問題沒有被處理的話，可以參考好和弦出的《鋼琴技巧急診室》。

《鋼琴技巧急診室》課程分成了四個部分：

第一個部分是「輕鬆彈鋼琴」的基礎概念，像是怎麼用手臂的重量、前臂旋轉等等把音給彈下去

然後是「輕鬆解決常見技巧問題」，像是音階跟琶音、連音跟跳音怎麼彈等等的，這個真的是很多學生常會有的問題

再來是「很少人教你的眉眉角角」

最後是「從想法上面來增進鋼琴技巧」

總共 31 部影片，分成 31 天看完剛剛好！

內容真的非常全面，我自己把它也整合進了我平常的教學裡面。除了適合一般學琴者之外，也很適合給有在教學的老師，幫助學生對症下藥，強力推薦給有需要的人！

回到我們原本的問題，那麼小孩手指靈活，是不是就學得比較快呢？

其實小朋友學琴，不見得比成人來得快。一般感覺小朋友好像學得比較快，是因為他們時間比較多，基本每週都會上課，不練琴就會被爸媽或是老師唸，時不時可能還參加某個比賽或是表演，更可以刺激很多練琴上的動力。

而且他們的模仿能力、聽覺敏銳度也比較強，如果又認真練習，自然會進步得比較快。但話說回來，其實也不是每個小孩都是神童，所以不需要去跟小朋友比較。

其實成年人也有很多學習上的優勢，像是更強的學習動機、更強的理解跟感受力，而且生活閱歷相對豐富。這些讓我們能夠跟音樂產生更深的情感連結，所以專注在自己的進步，才能學得更開心、也走得更久。

三、多久才能開始彈自己喜歡的曲子（流行歌）？

（這裡流行歌是指鋼琴「獨奏」，不是彈和弦「伴奏」；關於伴奏，以後有機會再討論）

第三個真的是我平常超常被問到的問題。

我想大家學琴的最終目標，一定是想要可以自由地彈奏自己喜歡的曲子嘛！但要學多久才能彈喜歡的曲子，這個問題其實沒有絕對的答案，因為要看你想彈的曲子難度、還有你的練琴頻率而定。如果是一般流行歌，我會建議大概至少要抓半年到一年以上比較保險。在這之前，你需要先把基礎打好。

基礎包含哪些呢？像是你要先熟悉五線譜、還有它對應到鋼琴琴鍵上的位置。你會先從這種看似很簡單的樂曲開始，熟悉各種音型、指法，這其實都是在為你之後彈更難的曲子做準備，等基礎打穩了，程度自然就往上提升。

簡單的初學者曲子

我舉個例子，比如說你想要彈類似像 Yiruma - River Flows in You 這首的曲子，你看到這樣一份譜，你應該至少已經要有練過三個升記號的曲子、遇過類似的指法情況，並且知道八分音符、十六分音符的節奏是什麼，這樣這首才適合拿來練。如果你還得一個音一個音找、然後不會數這些拍子，而且還有合手的問題，那一首曲子真的是會練到好幾個月以上，就算練起來，聽起來也一定是怪怪、卡卡的，彈起來也不會帥。

Yiruma - River Flows in You

雖然說「流行樂曲」感覺上可能比大部分古典樂曲來得簡單，但你還是要有一定的彈奏基礎再去彈它，這樣練起來也會更順、更有成就感，而且其他類似的歌曲你也能夠舉一反三，不會說練了一首，下一首完全要從零開始學。

如果一首曲子練了三個月以上還沒辦法完成，通常代表這首曲子對你目前的程度來說太難了，建議可以先換一首簡單一點的曲子來練習。當然，如果是為了表演或比賽，需要精修、背熟，那就另當別論，不在這個時間參考範圍內。

結論

其實成人要開始學鋼琴，一定都會考量到很多現實層面的事情，像是有沒有時間練琴、要買什麼琴、上這個鋼琴課的短期或長期目標是什麼，這些當然都值得評估；但一旦決定要開始，我建議至少給自己一兩年以上的時間，認真學、認真練，你一定會體驗到彈鋼琴帶來的樂趣。

關於成人學鋼琴，其實還有非常多深入的話題可以討論，比如說成年人時間較少，如何有效率地練琴？彈琴總是只能看著雙手？聽到喜歡的音樂，如何自己抓歌？若大家對這個話題有興趣，以後我還會再更新文章喔！

拉威爾的 5 首經典好聽，又不會太難的鋼琴曲！

Sat, 01 Aug 2026 20:01:09 +0800

今天要跟大家分享一位法國印象樂派的作曲家──拉威爾（Maurice Ravel, 1875-1937）的 5 首經典、不難的鋼琴作品。

很多人常常會把拉威爾跟德布西放在一起，因為他們都是法國的印象派作曲家。如果說德布西是比較朦朧而夢幻，拉威爾的風格就再更典雅而精巧一些。俄國作曲家史特拉汶斯基曾經形容他是「瑞士鐘錶匠」，因為他寫的每個音符就像齒輪一樣精準。

其實這個形容也不是隨便說說的。拉威爾的爸爸就是瑞士人，而且還是一位工程師，從小就常帶拉威爾去參觀各種工廠，所以拉威爾從小就對機械的精密構造深深著迷。這種著迷後來滲透進他的作曲習慣裡，他寫譜極度講究，對於速度的標記可以說是非常精準、具體。

說到他最有名的代表作，你一定不能不知道他寫的管弦樂作品《波麗露》──那首從頭到尾只有兩段旋律、一直交替反覆，一層層往上堆疊出澎湃效果，讓人聽了會像著魔一樣停不下來的管弦樂作品。

說回拉威爾的鋼琴獨奏曲，你猜要花多久，就可以聽完他一輩子寫的所有鋼琴獨奏作品？答案是：一場音樂會，大概三小時左右。我上個月才去聽了鋼琴家巴佛傑（Jean-Efflam Bavouzet）彈的「拉威爾鋼琴獨奏全集」音樂會，一口氣聽完他所有的鋼琴獨奏作品，真的非常過癮！

今天我選了 5 首比較好彈、也很經典的樂曲要來跟大家分享。如果準備好的話，我們就開始吧！

一、〈為已逝公主的孔雀舞曲〉，M.19

Pavane pour une infante défunte

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第一首我選的是拉威爾在 1899 年所創作的鋼琴獨奏曲〈為已逝公主的孔雀舞曲〉（也被翻作〈悼念公主的帕凡舞曲〉），是拉威爾的經典名作之一。

「Pavane」是源自文藝復興時期的一種宮廷舞曲，節奏緩慢、沉穩而莊重；「infante」指的是西班牙皇室的公主；「défunte」則是「已逝去」的意思。

所以這是為了紀念歷史上某一位皇室公主而寫的嗎？

其實答案有點出乎意料。拉威爾自己說過，他當初會取這個名字，純粹是因為喜歡「infante」跟「défunte」這兩個字唸起來的音韻，跟紀念哪位公主一點關係都沒有。他形容這首曲子是「一位小公主在昔日西班牙宮廷裡可能跳過的孔雀舞」¹──想營造的是一種帶點古風、懷舊的西班牙情調，不是什麼哀傷的故事。

所以儘管樂曲的名稱聽起來很哀傷，音樂本身其實沒有想像中沉重，反而有一種淡淡的、朦朧的美感。

二、〈A 小調前奏曲〉，M.65

Prélude in A minor

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接下來這一首，是拉威爾在 1913 年應佛瑞之邀，為巴黎音樂院女子鋼琴組「視奏考試」所寫的一首短小樂曲。

這裡可以給大家一個小挑戰：如果你對視奏能力很有自信的話，可以把畫面暫停，先把這份樂譜看個 30 秒到 1 分鐘，然後當作視奏考試一樣彈奏。一旦正式彈奏之後，就不要停下來、或重彈喔！據說當年拉威爾刻意設計了不少「陷阱」，就是要考驗學生的臨場反應。

接下來我們就來聽聽這首，拉威爾為考試而寫的〈A 小調前奏曲〉！

我自己是覺得中間這一段左右手很近、疊在一起的部分滿難彈的，因為左右手會一直互相擋到。拉威爾後來把這首曲子題獻給那場考試的第一名──當年只有 15 歲的 Jeanne Leleu。（有趣的是，她三年前才剛跟同學一起首演了拉威爾的《鵝媽媽組曲》。²）

這首〈前奏曲〉不算是很主流、或很有名的拉威爾作品，篇幅也非常短小，全曲只有 27 小節、一分半鐘左右。雖然它很短小，卻濃縮了拉威爾經典的和聲色彩跟氛圍感，很適合當作認識拉威爾的入門曲。

三、〈以海頓之名而作的小步舞曲〉，M.58

Menuet sur le nom d’Haydn

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接下來這一首，是拉威爾在 1909 年，為了紀念海頓逝世一百週年所創作的〈以海頓之名而作的小步舞曲〉。

這首曲子最有趣的地方，就是拉威爾把「HAYDN」這五個字母轉化成了音名，變成整首曲子的核心動機。

A 跟 D 本來就是大家熟悉的音名，但剩下的 H、Y、N 都不是音名，要怎麼對應到鋼琴上的琴鍵呢？

先說 H：在德文的音名系統裡面，代表的是白鍵 B。

Y 跟 N 則是靠一套法國音樂界流行的「字母對應表」³：把 26 個英文字母，按照順序排進鋼琴的 7 個音名裡（A-G），超過 G 的就再從 A 排一輪，像這樣：

A	B	C	D	E	F	G
H	I	J	K	L	M	N
O	P	Q	R	S	T	U
V	W	X	Y	Z

所以整個「HAYDN」翻譯成音符後，就是 B A D D G。

這種手法在音樂史上不算少見，可以理解成一種「音樂密碼」的文字遊戲。而拉威爾玩的方式又更高端了一點，因為曲子裡面還出現了「鏡像遊戲」：

逆行：HAYDN 變成 NDYAH，也就是把整段旋律的音符順序倒過來彈。
倒影：音程上下顛倒，原本往下走的旋律變成往上走，往上走的變成往下走。

而且拉威爾還會在譜上把這些字母直接標出來，字母的方向本身就暗示了是逆行還是倒影，非常有巧思。

順帶一提，這其實是一個「集體作業」──當年《國際音樂協會月刊》一口氣邀了六位作曲家，用同一個主題各寫一首，包括德布西、杜卡斯、丹第、韋多和漢恩⁴。其中德布西寫的就是《向海頓致敬》，有興趣的人也可以找來聽聽看，兩位印象樂派大師用同樣的主題寫出完全不同風格的作品，也算是很有趣的對照。

四、〈以鮑羅定風格而作〉，M.63 之 1

À la manière de Borodine

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接下來這首 M.63-1，是拉威爾用俄國作曲家鮑羅定的風格所寫的一首圓舞曲，創作於 1912 到 1913 年間。

這首曲子的誕生，是因為義大利作曲家卡賽拉（Alfredo Casella，也曾在巴黎音樂院佛瑞門下學習）的邀請。卡賽拉在 1911 年出版過一套六首的「仿作集」，後來想再出第二輯，就邀請拉威爾一起加入⁵。拉威爾一口氣認領了兩位致敬對象，其中一位是俄國作曲家鮑羅定，另一位是法國作曲家夏布里耶。

鮑羅定是「俄國五人組」裡面的一員，本業其實是化學家，但他寫出來的作品充滿濃厚的俄羅斯浪漫色彩。拉威爾本身也非常著迷於俄羅斯音樂，不過拉威爾並沒有直接改編鮑羅定的既有旋律，而是巧妙地把俄羅斯式的異國情調、流暢的旋律線條，跟他自己專屬的、精緻的法式和聲融合在一起。

這首圓舞曲其實不算太知名，但篇幅不長、技巧也不算太艱深，比起拉威爾的其他作品輕鬆很多，很適合當作學生的進階曲目、或是音樂會上的安可小品。

五、〈小奏鳴曲〉第一樂章，M.40

Sonatine

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接下來這首是拉威爾在 1903 年創作的〈小奏鳴曲〉M.40 的第一樂章，這也是他最著名的鋼琴獨奏曲之一。

我覺得一開始練這首曲子的時候，可能會覺得有點不符合人體工學、或彈起來卡卡的，因為兩隻手會常常有點交纏在一起。這也是拉威爾寫譜的一個特色：他很在意的是聲部線條、音色堆疊出來的效果，有時候可能就不會那麼顧到彈奏者的手順不順、舒不舒服，所以常常會寫出很多需要雙手交錯、靈巧快速跑動的樂句。

這首曲子的誕生，其實是源自一場很烏龍的比賽。1903 年，英法合辦的藝文雜誌《Weekly Critical Review》辦了一場作曲比賽，規定參賽者要寫一首鋼琴奏鳴曲的第一樂章，長度不能超過 75 小節，第一名可以拿到 100 法郎的獎金。

其實整場比賽也只有他一個人報名，但卻因為技術犯規而落敗。更諷刺的是，比賽後來因為雜誌社快倒閉了所以直接取消。

不過拉威爾可沒打算讓這個樂章就這樣被浪費掉。兩年後，他又補寫了第二、第三樂章，才完成了我們現在聽到的〈小奏鳴曲〉。所以說，其實一切都是最好的安排。

後記：一個很敢做自己的人

以上就是這次分享的拉威爾五首經典不難的鋼琴曲，不知道大家有沒有對拉威爾的作品風格有更多認識呢？

其實拉威爾還有很多其他有名的曲子，像是《鏡》裡面的〈小丑的晨歌〉、《庫普蘭之墓》、〈水之嬉戲〉等等，這些都是非常知名的代表作。不過我們這系列只會選五首，所以我會先聚焦在「經典、不難」這個主題上。

這次整理完這五首曲子背後的故事之後，我可以很確定一件事：拉威爾是一個非常有主見、也很敢做自己的人。

拉威爾年輕的時候，曾經報考了法國音樂院體制裡最高榮譽的作曲比賽──「羅馬大獎」。這個比賽的首獎得主可以用公費到羅馬進修好幾年，是音樂圈公認最頂尖新秀的保證。

拉威爾不是只報名一次，而是從 1900 到 1905 年一共挑戰了五次，卻始終沒拿到首獎（最好的一次是 1901 年的第二名⁶）。最誇張的是 1905 年那次，他連初賽都沒通過，而當年的決賽入圍者清一色都是其中一位評審 Charles Lenepveu 的學生──這件事在當時引爆了輿論，史稱「拉威爾事件」，最後音樂院院長杜布瓦被迫辭職，由佛瑞接任。⁷

但拉威爾似乎很快就想通了，覺得他不需要依靠外界的獎項來肯定自己，後來完全不甩外界的眼光，繼續走自己的路。這個心態真的非常強大。

從落榜羅馬大獎的爭議新人，到後來成為法國印象樂派的代表人物，拉威爾始終沒有為了迎合誰、或符合誰的標準去改變自己的音樂。也許正是這種對自我風格的堅持，才讓他無論是精緻的鋼琴小品、還是氣勢磅礡的管弦樂作品，都有著獨一無二的風格，讓人一聽就知道這是拉威爾的作品！

去年（2025 年）剛好是拉威爾誕辰 150 週年，當時有一部音樂電影《拉威爾：萬丈光芒》，我有被邀去看了首映，我覺得其實拍得很不錯，現在 HamiVideo 上面好像有上片可以看喔！

樂譜連結（IMSLP）

以下作品的版權都已進入公有領域，可以在 IMSLP（Petrucci 國際樂譜圖書館）免費下載樂譜：

本文介紹的五首

文中提到的其他作品

柴可夫斯基的 5 首經典好聽，又不會太難的鋼琴曲！

Sat, 20 Jun 2026 16:48:22 +0800

今天要跟大家分享一位浪漫派幾乎無人不知、無人不曉的俄國作曲家柴可夫斯基（1840–1893）的鋼琴作品。

柴可夫斯基的一生並不平靜，婚姻失敗、撲朔迷離的性向、情感壓抑、長期在歐洲四處流浪，好幾次他都幾乎要崩潰。好在一路上有幾個關鍵的人支持著他。其中最傳奇的，是一位從未謀面的女贊助人──鐵路大亨的遺孀梅克夫人。兩人整整十三年只靠書信往來，她每年提供他穩定的資助（還有精神羈絆），讓他可以專心創作。

柴可夫斯基最有名的幾首芭蕾舞劇配樂，大家應該多多少少都有聽過！像是《天鵝湖》、《睡美人》和《胡桃鉗》，這些作品在全世界都具有非常高的知名度，比他大部分的鋼琴作品還要有名。

而柴可夫斯基的鋼琴作品，就像是他的私密日記一樣，充滿了他的個人情感與生活氣息。今天我會分享五首我很喜歡的經典不難鋼琴獨奏曲，我們會從他年輕時期的作品，一路走過他人生最黑暗的時期（1870 年代末），然後再到他生命晚期最成熟的作品。

一、柴可夫斯基：《四季》〈六月：船歌〉，作品 37a，第 6 首

Tchaikovsky: The Seasons — June (Barcarolle), Op. 37a, No. 6

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這首曲子出自柴可夫斯基在 1875 年所寫的作品 37a《四季》裡面的第六首〈船歌〉，也是他最廣為人知的鋼琴曲之一。很多作曲家都喜歡把坐船的感覺寫成音樂，像孟德爾頌、蕭邦、佛瑞都有。

在彈〈船歌〉的時候，可以想像你正坐在船上，不管是你自己划、還是船夫在划，因為水會有阻力，你必須出力才能往前划，所以一定不是聽起來非常輕易、非常輕鬆的感覺。這不是說手指要很緊繃地出力啊～是說左手伴奏的感覺就像你正在划槳，有點阻力，音跟音之間會有一點點停留，不是那麼容易到達的，所以不能彈得很急、很趕。（但！也不能一直越拖越慢，會聽起來很累。）

到第二段的時候，我覺得這裡很像是突然到了一個水流湍急的河段，你坐在這艘小小的船上，跟著水流上上下下，有點緊張跟刺激，但船還是要繼續往前進，沒有翻覆。

這套作品的名稱是《四季》，是由 12 首描繪每個月份的季節氣氛或生活場景的樂曲所組成，分別對應到一月到十二月。在彈奏的時候，你好像可以感受到俄羅斯每個月的景色、變化或風土民情。

柴可夫斯基怎麼會這麼有創意，想到可以寫一部作品分別代表 12 個月份呢？

其實這個想法不是柴可夫斯基自己想的。1875 年，聖彼得堡的一份音樂雜誌社找上柴可夫斯基，委託他每個月交一首鋼琴小品，在雜誌上面連載，從 1 月刊到 12 月，每首的主題就對應當月份的季節氣氛或生活場景。一月很冷，寫的是〈爐火邊〉；二月〈狂歡節〉，對應的是俄羅斯二月份的「謝肉祭」；三月份是〈雲雀之歌〉，雲雀會在三月的時候出現，牠的叫聲被當作是春天來臨的信號。

後面幾個月份我就先不一一說明了，總之每一首的音樂都跟主題非常契合，大家如果有興趣可以去聽聽看音樂，然後對應著每首歌的名稱，感受一下俄羅斯的四季風情。

二、《兒童鋼琴曲集》〈義大利之歌〉，作品 39，第 15 首

Album for the Young — Italian Song, Op. 39, No. 15

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接下來這首是柴可夫斯基在 1878 年創作的《兒童鋼琴曲集》（或翻《青少年曲集》），而第 15 首〈義大利之歌〉連續兩次（2023–2024、2025–2026）被選進 ABRSM 三級的選曲。

這套作品是受了舒曼《青少年曲集》的影響，專門為兒童（或青少年）設計的 24 首鋼琴曲，結構簡單明瞭、旋律優美。整套曲集充滿了各種童年的喜怒哀樂、想像力，還有各種風格的樂曲。

這一套我覺得是滿好的柴可夫斯基鋼琴曲入門，但只要挑其中幾首彈就好，跟舒曼的《青少年曲集》一樣，不一定需要每一首都彈。

三、《十二首鋼琴小品》〈悲歌〉，作品 40，第 2 首

12 Pieces for Piano — Chanson triste, Op. 40, No. 2

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這首是柴可夫斯基在 1878 年所寫的作品 40《十二首鋼琴小品》中的第二首〈悲歌〉（Chanson triste）。

這首曲子是柴可夫斯基在人生最灰暗的時期所寫的。為什麼說是最灰暗的時期？因為在前一年，有一位名叫安東妮娜的女學生（Antonina Miliukova），她瘋狂迷戀柴可夫斯基，甚至以死相逼：「你不娶我，我就去死。」柴可夫斯基出於同情，加上自己當時也承受著想掩蓋性向的壓力，就答應了。但婚後才發現，這場婚約根本就是一場災難，兩個人話不投機，完全就是活在不同世界的人。

結婚才一個月，他就幾乎要崩潰。為了躲避妻子，他常常在夜裡跑到莫斯科街頭漫遊好幾個小時。有一天他走到莫斯科河邊，跳進河水裡，但是河水只到腰部，所以他沒有死（好險）。

雖然柴可夫斯基多次提出想要離婚，但是因為俄羅斯東正教會對離婚規定非常嚴格，加上安東妮娜完全不配合，所以一直到他過世為止，兩人在法律上始終還是夫妻。

之後他流浪到義大利佛羅倫斯，靠著梅克夫人的資助才得以繼續生活。Op. 40 這十二首，就是他每天早上寫的「晨間隨筆」，非常私密，也非常真實。

而〈悲歌〉是這十二首裡最受歡迎的一首，今年也被選為 ABRSM 五級的考曲。它的旋律歌唱性極強，幾乎像是一首沒有歌詞的歌；憂鬱、細膩，卻又帶著一種深深的壓抑，是一首很值得細細品味的鋼琴曲。

四、《六首鋼琴小品》〈感傷圓舞曲〉，作品 51，第 6 首

6 Pieces for Piano — Valse sentimentale, Op. 51, No. 6

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這首是《六首鋼琴小品》Op. 51 的第六首〈感傷圓舞曲〉（Valse sentimentale），寫於 1882 年。

Op. 51 這六首各自獻給不同的女性；而我們今天彈的這首〈感傷圓舞曲〉，獻給的是一位暗戀柴可夫斯基、而且讓他感到頗困擾的法國家庭教師 Emma Genton。不太確定為什麼柴可夫斯基要把這首樂曲提獻給她，但是光看標題「Sentimentale」就知道，這是一首多愁善感、有點惆悵的圓舞曲，可能柴可夫斯基就是用這首樂曲，來回應這段不知道如何回應的關係吧！

值得一提的是，這首鋼琴曲後來也被改編成大提琴或小提琴版本，在弦樂曲目裡也很常被演奏。

五、《胡桃鉗》〈花之圓舞曲〉，作品 71，第二幕第 13 首

The Nutcracker, Op. 71: Act II, No. 13 — Waltz of the Flowers

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接下來這首是 1892 年，柴可夫斯基替芭蕾舞劇《胡桃鉗》所做的配樂～Op. 71 裡面的〈花之圓舞曲〉，這是他晚年的成熟之作。原曲是管弦樂的大編制版本，我今天挑的是柴可夫斯基本人親自改編的鋼琴版。

講到《胡桃鉗》的故事，大家小時候應該都有聽過吧？一個小女孩在聖誕夜收到了一個胡桃鉗，結果他竟然變成了一個風度翩翩的王子，帶著小女孩展開一段奇幻的冒險。而〈花之圓舞曲〉就是在第二幕裡，他們抵達夢幻王國之後，所有花仙子都出來歡迎他們的一段盛大舞蹈。

胡桃鉗裡面其他有名的還有像是〈糖梅仙子〉、〈俄羅斯之舞〉、〈中國之舞〉等等，因為故事背景是聖誕節夜～這部芭蕾舞劇後來也成了全世界每年聖誕節最常被搬上舞台的表演之一。

但也因為原曲是整個管弦樂團演奏的，要用一台鋼琴來撐起那樣的聲響跟氣勢，一定不會寫得太簡單。如果大家覺得這個版本有點挑戰，《鋼琴小品集》裡也有收錄更簡易的改編版本。

結語

以上就是這次分享的柴可夫斯基的 5 首經典不難的鋼琴獨奏曲，不知道你最喜歡哪一首呢？

其實柴可夫斯基的鋼琴獨奏曲，在他眾多作品中，相對比較少被拿出來討論，因為他的管弦樂作品實在太過耀眼～他對於音色與層次的處理極為敏銳，這種特質在管弦樂上發揮得特別淋漓盡致。

所以我也強烈建議大家去聽聽他的管弦樂作品——除了前面提到的三大芭蕾舞劇配樂《天鵝湖》、《胡桃鉗》、《睡美人》之外，還有〈第一號鋼琴協奏曲〉、〈D 大調小提琴協奏曲〉、〈羅密歐與茱麗葉幻想序曲〉，另外，還有在音樂中真實出現「大砲聲響」的〈1812 序曲〉，這幾首都非常有名，也非常具有柴可夫斯基獨有的味道跟震撼力。

柴可夫斯基一生身處一個無法公開自己性向的時代與國家，承受了太多壓抑跟憂鬱，但也許正是這些糾結與困頓，造就了他音樂裡那種情感豐沛、深沉又有張力的感受，讓人很難不被打動。

附錄：《四季》十二個月份對照表

月份	中文曲名	英文曲名
一月	爐火邊	January: By the Fireplace
二月	狂歡節	February: Shrove-Tide (Carnival)
三月	雲雀之歌	March: Song of the Lark
四月	松雪草（雪蓮花）	April: Snowdrop
五月	白夜（星夜）	May: White Nights
六月	船歌 ⭐	June: Barcarolle
七月	收割者之歌	July: Song of the Reaper
八月	豐收	August: Harvest Song
九月	狩獵	September: Hunting Song (The Hunt)
十月	秋之歌	October: Autumn Song
十一月	雪橇	November: Troika
十二月	聖誕節	December: Christmas-Tide

樂譜下載

以下每一首都可以在 IMSLP（國際樂譜圖書館計畫）免費下載樂譜，全部都是公有領域，可以放心列印來練習：

《四季》〈六月：船歌〉，作品 37a — The Seasons, Op. 37a
《兒童鋼琴曲集》〈義大利之歌〉，作品 39 — Children’s Album, Op. 39
《十二首鋼琴小品》〈悲歌〉，作品 40 — 12 Pieces, Op. 40
《六首鋼琴小品》〈感傷圓舞曲〉，作品 51 — 6 Pieces, Op. 51
《胡桃鉗》〈花之圓舞曲〉，作品 71 — The Nutcracker (ballet), Op. 71

舒伯特的 5 首經典好聽，又不會太難的鋼琴曲！

Sun, 29 Mar 2026 16:01:20 +0800

今天要介紹的這位作曲家，一生只活了短短的 31 年，但是在這短短的歲月裡，他創作了超過 600 首藝術歌曲、還有為數不少的交響曲、鋼琴曲等等，可以說是非常「高產量」的作曲家。他就是「歌曲之王」──舒伯特（1797-1828）。

我其實還滿喜歡舒伯特的，因為我覺得他寫的很多鋼琴作品，旋律真的美到不可思議，而且往往給人一種情感很真摯、很容易親近的感覺。不過舒伯特的曲子有一個小小「特色」，就是他的篇幅有時候真的很長、同樣的樂段常常會重複好多次，彈一首曲子有時候要彈滿久的。但撇除這一點，我覺得他的經典樂曲真的很好聽！

所以我今天一樣選了五首經典、難度中等的鋼琴曲目要來跟大家分享。

〈F 小調樂興之時〉Six Moments musicaux, D. 780 No. 3 (Op. 94 No. 3)

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說到舒伯特的鋼琴作品，就不能不提到他的《樂興之時》 D. 780。這套作品總共六首，每首都不長，其中最最最有名的，我想應該是這首第三號。

曲子雖然是 F 小調，卻不怎麼悲傷，而且充滿了活力。左手幾乎全程都是八分音符『蹦恰蹦恰』的節奏型，配上右手的附點節奏跟裝飾音，整首曲子帶有一點鄉村舞曲的感覺。

再來我想要順便提一下「作品編號」這件事。你們有沒有發現，同一首舒伯特的作品，有時候會有兩個不同的編號？以這套曲子 D. 780 來說，它也常被標示為 Op. 94。這兩種編號到底是怎麼回事？

D. 代表 Deutsch 目錄，由學者 Otto Erich Deutsch 編纂，依照舒伯特的創作時間順序排列，是目前最準確、最完整的舒伯特作品編號系統。
Op.（Opus）是依照作品出版的先後順序編排的，不代表創作的先後（有時甚至是出版商事後自行指定的）。而且有很大量的作品因為生前沒有被出版過，所以根本就沒有 Op. 編號。

所以結論就是：講到舒伯特的作品，以 D. 編號為主，會比較準確喔！

〈降 B 大調詼諧曲〉Scherzo in B-flat Major, D. 593 No. 1

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接下來這首作品 D.593 第一號──《降 B 大調詼諧曲》，是一首短小精緻、節奏有趣的三拍子樂曲。

你可能會常常聽到「詼諧曲」這個名稱，詼諧曲原文是 Scherzo，在義大利語裡面是「玩笑」或「戲謔」的意思。這種樂曲形式通常是三拍子、且聽起來輕快、活潑、幽默。

那音樂為什麼會聽起來詼諧、幽默呢？以這首曲子來說，它有許多輕巧跳躍的音符、俏皮的裝飾音，以及出乎意料的重音位置等等，這種出乎意料的感覺，應該還算滿幽默的吧！

我覺得這首真的很經典，如果以前比較少接觸舒伯特的話，推薦大家可以練這首喔！

〈降 A 大調即興曲〉Impromptu in A-flat Major, D. 935 No. 2 (Op. 142 No. 2)

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這首是舒伯特的作品 D.935──四首即興曲中的第二首。

開頭非常溫柔而從容，到了中間的 Trio，舒伯特運用了他很常用的「分散和弦」的創作手法，寫了一段非常優美、又有戲劇效果的樂段。

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為什麼說很有戲劇效果呢？因為這段看似平凡的降 D 大調音樂，在中間很突然的切換成了平行小調──降 D 小調。那個轉變來得很突然、很理直氣壯，卻也充滿張力，這也是舒伯特作品一個常見的創作手法。

我今天介紹的是這套即興曲的第二首，但其實我私心更喜歡第三首（D. 935-3），裡面的旋律真的美到不行，你聽完一定也會明白為什麼舒伯特會被譽為最會寫旋律的作曲家。

如果大家要找專輯或現場版本的話，我很喜歡鋼琴家布蘭德爾（Alfred Brendel）現場演奏的版本。

〈C 小調即興曲〉Impromptu in C Minor, D. 899 No. 1 (Op. 90 No. 1)

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這首是舒伯特作品 D.899──四首即興曲中的第一首。

開頭雙手八度的長音一下去的時候，就給人有點沈重、很像要開始講故事的感覺。整首曲子帶有強烈的小調色彩，很像某件大事正在發生。

中間有一段，我每次聽到的時候都覺得很感動，很像在沙漠中找到一朵小花，甜美的旋律，如果要放到現代的電影裡面的配樂也完全可以！

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其實這套作品要彈好真的還是滿不容易的，但因為這套非常有名，所以我決定還是選進來。

〈小夜曲〉Ständchen，出自《天鵝之歌》Schwanengesang，D. 957 No. 4

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所謂「藝術歌曲」，是一種由歌手演唱、鋼琴伴奏的聲樂形式，歌詞通常取自文學詩作。舒伯特一生創作了超過六百首藝術歌曲，也難怪被稱為「歌曲之王」。

這首〈小夜曲〉出自他人生最後一部藝術歌曲集《天鵝之歌》D. 957，是其中的第四首。歌詞來自詩人雷爾斯塔布（Ludwig Rellstab）的詩作，原曲是由人聲與鋼琴共同演奏。因為廣受好評，後來也衍生出許多鋼琴獨奏的改編版本，其中最知名的可能是李斯特（Franz Liszt）的改編版，是音樂會鋼琴家的熱門曲目。

而我今天選的，是德國編曲家 August Horn（1825-1893）在 1880 年代完成的版本。Horn 的改編忠於舒伯特的原作風格，沒有加入太多炫技成分，讓旋律自然從鋼琴中流瀉而出，彷彿歌手仍在場演唱。這個版本親切易入，卻保有原曲完整的情感層次，是平易近人又不失深度的好選擇。

樂譜下載

以上五首的樂譜，都可以在 IMSLP 免費下載：

〈F 小調樂興之時〉D. 780 No. 3：Moments musicaux, D.780
〈降 B 大調詼諧曲〉D. 593 No. 1：2 Scherzos, D.593
〈降 A 大調即興曲〉D. 935 No. 2：4 Impromptus, D.935
〈C 小調即興曲〉D. 899 No. 1：4 Impromptus, D.899
〈小夜曲〉D. 957 No. 4（August Horn 改編版）：Schwanengesang, D.957（在頁面的「Arrangements and Transcriptions」區塊中，找 August Horn 的版本）

其實舒伯特還寫了很多很多親切好上手的作品，像是他的《蘭德勒舞曲》（Ländler），這些舞曲是他和朋友聚會時即興彈奏的，讓朋友們在旁邊跳舞，事後再把它們記錄下來的，雖然這些舞曲相對比較冷門，但你可以感受到舒伯特豐沛的創作靈感，還有信手拈來的那種隨性跟細膩。

以上就是今天我選的五首舒伯特經典不難的樂曲分享，這個系列的目的跟初衷，是希望大家一提到某位作曲家，心中就能馬上浮現幾首代表作，你們也可以建立自己的清單，不管是聽過的、或是自己實際練過的，除了可以累積曲目量之外，也可以認識不同作曲家的創作風格喔！

孟德爾頌的 5 首經典好聽，又不會太難的鋼琴曲！

Sun, 01 Feb 2026 20:58:46 +0800

今天要跟大家分享一位浪漫時期的德國作曲家，他應該可以算是音樂史上「最幸福的作曲家」，因為他不僅是出身在富裕家庭、從小不用為錢煩惱，在音樂事業的發展上也是一路順遂；他寫過非常多有名的交響曲、室內樂等等，還創立了德國萊比錫音樂學院，對音樂界的影響非常深遠，這位音樂家就是──孟德爾頌。

孟德爾頌寫過很多中等到中高階難度、適合業餘愛好者演奏的曲目。這跟 19 世紀的時代背景有關──當時中產階級崛起，越來越多家庭買得起鋼琴，彈琴成為當時最流行的休閒活動。孟德爾頌特別為這些「在家彈琴自娛」的愛好者創作了一系列的作品，在當時大受歡迎！這部作品就是他的《無言歌》。

《無言歌》的英文是 Songs Without Words，指的是「沒有歌詞的歌」，大多都是旋律優美、結構短小、而且富有歌唱性的樂曲。《無言歌》總共有 8 冊，每一冊裡面有 6 首，總共 48 首曲子，數量非常多，我這次從中挑選了其中 5 首經典、不難的樂曲出來，大家如果沒彈過的話可以先從這幾首開始入門。

而文章的最後，我還選了一首「你一定聽過、但可能不知道是孟德爾頌寫的超經典曲目」的鋼琴改編版，請一定要看到最後喔！

Op. 30-6〈船歌〉

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第一首要跟大家分享的是孟德爾頌的作品 30-6〈船歌〉（Venetianisches Gondellied）。

這首 6/8 拍的船歌，左手伴奏很像在模擬水波蕩漾、讓人好像可以感受船夫正在用船槳來回擺動、讓船往前進的感覺；而優美的旋律帶著一點義大利的浪漫風情，又參半著一種無法排解的憂傷情感。

值得一提的是，孟德爾頌在創作《無言歌》的時候，幾乎是沒在寫標題的，因為他覺得標題容易限制住大家對於音樂的想像，所以不需要用文字來解釋音樂；但他卻明確地將這首樂曲命名為〈船歌〉，而且他還寫了 3 首的〈船歌〉（分別是 19-6、30-6、62-5），每一首都是 6/8 拍、且是類似的風格。可見他應該對於〈船歌〉有很明確的想像吧！

IMSLP 樂譜下載

Op. 19-1〈甜蜜的回憶〉

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接下來這首非常優美的曲子，是出自《無言歌》第一冊的第一首──作品 19-1。

我覺得這首很適合拿來練習單手兩聲部的控制，也就是一隻手要同時彈奏主旋律和伴奏，這是很多古典樂曲都會需要的必備技巧；如果大家想要練好聲部的平衡跟音量控制，這首會是一個不錯的選擇（它是今年 ABRSM 的七級考曲喔！）

整首樂曲的風格跟音型都差不多，但孟德爾頌常常會同中求變，在「你以為這段音樂差不多就是這樣子」的時候，出其不意地加入一些變化或是亮點，大家在練的時候一定要多加觀察、分析一下，才能更了解這首樂曲的結構喔！

雖然《無言歌》是完全沒有歌詞、也幾乎都沒有標題，但大家可以透過仔細聆聽這首的旋律，想想看，如果要幫這首曲子取一個標題，你會取什麼呢？

（有的出版社將這首取名為〈甜蜜的回憶〉）

有一些版本的譜，每一首無言歌上面都有加上標題，其實這些標題大多都是出版商根據樂曲的意境所加上去的標題。我覺得有標題的好處是，有這些標題會比較容易記得你彈過無言歌哪些曲子、也比較容易把每首做一些區別。但我覺得在選樂譜的時候，還是用原典版，也就是沒有標題的版本會比較好！

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Op. 19-3〈獵歌〉

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接下來這首是出自孟德爾頌《無言歌》中的作品 19-3，也是一首相當經典的樂曲，有的版本幫它取名為〈獵歌〉；我覺得這個標題名稱很到位，很像真的在狩獵、很有氣勢的感覺。

這首的練習重點是可以把八度、和弦控制好，並且在快板的速度下、控制好力度，手指不緊繃。在彈的時候，可以想像把狩獵的畫面詮釋出來，感受那種快馬加鞭、追逐獵物的刺激感。

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Op. 62-6〈春之歌〉

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接下來這首，應該是所有《無言歌》當中最有名的一首了，也就是出自他的作品 62-6──〈春之歌〉（Frühlingslied）。

光是聽音樂，你就會覺得好像有小鳥在附近唱歌，旁邊有很多含苞待放的小花、然後大人跟小孩們一起野餐，搭配一旁有很多春意盎然的景致，畫面感非常強烈。

這首很特別的地方就是它有非常多的裝飾音，幾乎每一小節都會伴隨著旋律一起前後出現。其實這些裝飾音非常重要！因為它其實就是快速的分解和弦、會直接影響音樂的整體和聲，所以除了和弦音一定要看清楚之外，也盡量不要彈得太重。如果還是覺得有點難的話，也可以暫時先把裝飾音拿掉，把主旋律彈熟之後再加進來。

原版沒有到很簡單，但這首因為太有名了，有很多改編的簡單版，像《鋼琴小品集》裡面就有，如果覺得原曲較難的話，可以考慮從簡化的版本來練習。

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Op. 30-3〈安慰曲〉

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接下來這首開頭的琶音非常優美，就像豎琴一樣，慢慢把和弦撥開。接著旋律都集中在第一部，就好像歌唱一般，非常的柔美。

我覺得這首曲子就是那種典型的慢、又優美的樂曲，如果要彈好，不外乎是在音色、踏板的控制上都要處理好。

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特別加碼──《仲夏夜之夢》中的〈結婚進行曲〉Op. 61-9

講完《無言歌》，接下來這首就是──你一定聽過、但可能不知道是孟德爾頌寫的超經典曲目！

在講之前，先科普一下，根據 BBC 在 2009 年針對 16 位音樂評論家所做的調查，孟德爾頌被認為是西方古典音樂史上最偉大的作曲神童，甚至超越莫札特！他在 17 歲那年完成了《仲夏夜之夢》序曲。

《仲夏夜之夢》是莎士比亞的經典喜劇，講述在白晝最長的仲夏夜，精靈們最為活躍，古希臘雅典的戀人們誤入迷幻森林，被調皮精靈施展魔法，一夜之間戀愛對象全都錯亂的浪漫故事。

17 歲的孟德爾頌為這部劇寫了序曲，17 年後的 1843 年，他把所有配樂完成。而其中最有名的，就是〈結婚進行曲〉！

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這首曲子通常會在婚禮結束、新人退場時演奏。有趣的是，它第一次在婚禮上演奏，是在 1858 年英國維多利亞女王的女兒、維多利亞公主嫁給普魯士王儲腓特烈·威廉的婚禮上。從那之後，這首曲子就成為婚禮上最受歡迎的進行曲之一！

很多鋼琴家都寫過改編版本，像是聖桑、拉赫曼尼諾夫、李斯特、霍洛維茲等等，但他們寫的都是很炫技的版本；而我找到了一個難度恰到好處、編得完整又好彈的版本，就是 Clough-Leighter 編的版本。

這個版本在 IMSLP 上比較難找，我在下方放了下載連結喔！

IMSLP 樂譜下載

結論

以上就是這部孟德爾頌的五首經典、不難的鋼琴曲，除了這 5 首之外，《無言歌》還有很多有名、好聽的曲子值得探索，像是：

Op. 67-4〈紡織歌〉：右手旋律很像一隻蜜蜂來回嗡嗡嗡地飛舞，所以也有人叫它〈蜜蜂之歌〉。

Op. 62-3〈送葬進行曲〉：充滿宗教感和歷史感、帶著沉重步伐的莊嚴神聖，非常有史詩感。

另外像 38-6、67-2，寫得超好聽，完全是那種可以當作正式音樂會的鋼琴曲目，大家有興趣可以再去挖寶。除了《無言歌》以外的鋼琴曲，還有像是他的〈隨想輪旋曲〉Op. 14，也是很多人會彈的，但因為它會比這次分享的曲子難很多，所以我這次就沒有選進來。

另外，如果大家對孟德爾頌的姐姐的作品有興趣的話，我之前有做過一部影片介紹 5 位才華洋溢的女性作曲家（YouTube 連結），可以去看看那部影片喔！

布拉姆斯的 5 首經典好聽，又不會太難的鋼琴曲！

Sun, 14 Dec 2025 13:55:29 +0800

今天想要來跟大家聊一聊布拉姆斯（Johannes Brahms）的經典不難的五首鋼琴曲！

布拉姆斯在古典音樂界的地位舉足輕重，不僅得到舒曼的賞識與提攜，更與巴赫（Bach）、貝多芬（Beethoven）齊名，三人並稱為音樂史上的「3B」大師。

可能有些人會對布拉姆斯的鋼琴作品感到有點陌生，或是根本沒彈過他的作品，其實這是非常有可能的！因為他的作品確實滿難練，而且就算練起來了，可能也不是那種馬上會聽起來很炫技、很吸睛的那種曲目。

再加上比起其他作曲家，布拉姆斯的鋼琴作品其實很少，這可能是因為他是個完美主義者，所有不滿意的作品都會被他親手銷毀。但從另一個角度看，這也代表留存下來的作品，都是他精雕細琢之後留下來的精華！

透過今天這五首樂曲，我們可以一起來看看布拉姆斯作品有什麼樣的特色。

雖然說「比較好入門」，但還是要強調，這些曲子絕對不簡單，不過對於中階學琴者來說，應該會是認識布拉姆斯很好的開始喔！

一、作品 39，第 15 首圓舞曲（Op. 39, No. 15）

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這首優美的樂曲是出自布拉姆斯的《16 首圓舞曲》作品 39（Sixteen Waltzes, Op. 39），當中的第 15 首。

作品 39 總共有 16 首圓舞曲，每一首都短短的。如果大家只挑選其中喜歡的曲子來練也可以，只是如果是要正式演奏的話，最好還是要能完整演奏全曲喔！

其實最開始，布拉姆斯寫的是四手聯彈的版本，後來他不僅親自把它改編成了鋼琴獨奏，還貼心的準備了困難版跟簡單版兩種選擇。

四手聯彈版

我這次的音樂例子彈的是簡單版的！在這個簡單版本中，你還是會看到很多三、四個升記號以上的調性。我覺得布拉姆斯所謂的「簡單」，好像也沒有簡單到哪裡去，大家有興趣的話可以去比較看看兩種版本的差異喔！

接下來幾首都是他在中、晚年的時候所寫的，你即將進到布拉姆斯更深沉的音樂世界……

二、作品 76 第 7 首間奏曲（Op. 76, No. 7）

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在這段音樂中，你應該有聽到很不穩定的音程，時而緊繃、時而解決，很像一個人在跟自我對話。儘管中間有點矛盾的想法糾結，但是最後還是找到了一個解決方案，回歸平靜。

這是出自布拉姆斯的《八首鋼琴小品》作品 76（8 Klavierstücke, Op. 76），當中的第 7 首——A 小調間奏曲（Intermezzo in A minor）。

不知道你們有沒有注意過，布拉姆斯寫過非常多的鋼琴作品，都叫做「Intermezzo」（間奏曲）。

那什麼是「間奏曲」呢？間奏曲原本是一種插入在較大音樂作品（如歌劇、器樂曲）中間的短小樂曲，它的作用是為了要轉變氣氛，或對比不同的情感或風格。

但是布拉姆斯的間奏曲並不是用於歌劇間的過場音樂，而是可以獨立演奏的樂曲。布拉姆斯的間奏曲，都是對於生命的一個內省跟沉澱，所創作出來比較抒情、充滿個人色彩的獨立作品。特別是在他晚年的時候，創作了非常多很優美的間奏曲。

這首曲子很多年前是 ABRSM 八級的選曲。從這首曲子可以聽出布拉姆斯很喜歡寫這種錯綜復雜的音型，節奏跟韻律上也是比較模糊的句子；如果沒有分析結構、聲部的話，可能會有點不知道自己在彈什麼。但這也是他的作品非常有魅力的地方。

接下來這一首，布拉姆斯在和聲上的運用又更加豐富了……

三、作品 116 第 6 首間奏曲（Op. 116, No. 6）

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這首是他的《七首幻想曲》作品 116（7 Fantasien, Op. 116）中的第 6 首——E 大調間奏曲（Intermezzo in E major）。

不知道大家聽到這的時候，會不會覺得跟前一首有一點點相似的地方：開頭也是一堆和弦，中間夾帶著一些緊張的和聲。我記得我第一次聽的時候，就覺得這首的和聲有點怪，完全想不到布拉姆斯接下來會怎麼寫。但反覆多聽、多彈幾次之後，會覺得越來越對味。

第二段又更精彩了。除了調性轉到升 G 小調之外，這段還出現了二對三的節奏。隨著一顆一顆的三連音的落下，就很像布拉姆斯在傾訴著內心的獨白，整個情緒被推到一個高點，然後緩緩沉澱下來，準備重新迎接第一段的到來。

整體來說，這首 E 大調的樂曲，雖然升記號比較多，中間雖然還有一堆臨時升記號、還原記號等，但只要熟悉了這個調性，並且用和聲角度去思考：這段旋律下面堆疊的和聲是什麼，或者有哪些是分解和弦，你會發現每段音樂不僅好理解，也會比較好練。

聽到這邊，不知道你有沒有比較了解布拉姆斯《間奏曲》的音樂風格了呢？

接下來要跟大家分享的這首，大概是很多人第一次接觸到布拉姆斯音樂時，一定會彈到的經典樂曲：

四、作品 118 第 2 首間奏曲（Op. 118, No. 2）

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這是布拉姆斯在 1893 年所創作的《六首鋼琴小品》作品 118（6 Klavierstücke, Op. 118）當中的第 2 首——A 大調間奏曲（Intermezzo in A major）。這首樂曲也常出現在很多電影當中。

這首曲子的意境很美，也很深沉，不是要急著表現什麼，而是沉穩、內斂的，就像一個人在跟自我對話，或者呢喃一般；有些事情也許有些糾結，但到最後還是接受了、想通了。

布拉姆斯用溫暖而深情的口吻，把這些感受用音樂呈現出來，也是他在晚年的時候對生命的內省；不管你經歷過什麼樣的大風大浪，在驀然回首的這一刻，這些過往都成了人生中的風景。

從技巧上來說，這首曲子其實不算太難，但它的深度是無窮無盡的。彈奏者需要成為一個詩人，在彈奏的時候去鋪陳你的故事，安排出豐富的層次感。

接下來的這首曲子，是我這次分享的曲子當中稍微比較不一樣，然後也是我個人覺得是今天這五首當中最難的一首。

五、作品 119 第 3 首間奏曲（Op. 119, No. 3）

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這是布拉姆斯在 1893 年夏天，在奧地利度假時創作的《四首鋼琴小品》作品 119（4 Klavierstücke, Op. 119），其中的第 3 首——C 大調間奏曲（Intermezzo in C major）。

不知道大家在聽這首曲子的時候，是什麼感覺？是不是比較愉悅、歡樂，但又不失優雅的感覺呢？

樂譜開頭寫了 Grazioso（優雅）、Giocoso（可翻成愉快、活潑或戲謔的意思）。所以不能活潑到失了優雅，這中間的拿捏，也留給彈奏者很大的詮釋空間。

旋律的部分，這首的旋律幾乎都藏在中聲部，也就是幾乎都在大拇指跟食指的位置，在練習的時候一定要把它們彈出來。

整體而言，因為這首的節奏比較特別，然後還有很多快速的音符要練準，但是你在這首曲子中也可以認識到布拉姆斯不同的面貌。

結論

以上就是這次布拉姆斯的經典不難的樂曲分享！其實布拉姆斯還有很多有名的樂曲，像是作品 79、117 等等，但因為篇幅有限，再加上這兩首的整體難度比較難，我今天就沒分享了。不知道今天分享的這些曲子，你有彈過哪幾首呢？

我覺得練習布拉姆斯的作品，一定要很有耐心，而且很專心，因為他的作品稍有閃神，可能就不知道自己練到哪裡去了。有時候他的鋪陳是非常深的，不仔細挖掘的話，可能不會馬上找到他音樂當中隱藏的暗號。

我覺得布拉姆斯的音樂是那種會隨著人生階段而有所不同的，而且彈他的作品真的很能沉澱心情，讓人暫時抽離現實，完全沉浸在他的音樂世界裡。

希望大家看完這篇文章之後，對布拉姆斯的鋼琴作品不再感到陌生。挑一首喜歡的來彈彈看吧，說不定會有意外的收穫喔！

舒曼的 5 首經典好聽，又不會太難的鋼琴曲！

Sun, 02 Nov 2025 17:27:51 +0800

舒曼是浪漫時期最具代表性的德國作曲家之一。他不僅是位傑出的作曲家，更是一位深具文學素養的藝術家。由於父親經營書店，舒曼從小沉浸在文學世界中，這些豐厚的文學底蘊，使他的音樂充滿詩意與想像力。

然而，舒曼的人生充滿波折。他原本夢想成為鋼琴演奏家，卻因過度練習導致右手第四指永久受傷，不得不轉向作曲之路。也正因這個轉折，造就了無數流傳後世的經典作品。

許多人認為舒曼的作品較難親近，面對一套套的鋼琴曲集，往往不知從何入手。本文特別精選五首舒曼的經典鋼琴套曲，並從中挑選較容易上手的曲目介紹。這些作品不僅具代表性，也相對容易掌握，若你已具備一定的鋼琴基礎，又想體驗浪漫時期的音樂魅力，這些曲子絕對值得認識。

一、快樂的農夫，Op. 68-10

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這首曲子你可能在某些初級教材選集中聽過。或許你會感到意外——這首帶有童趣的作品，竟然出自舒曼之手？

《快樂的農夫》選自舒曼的《青少年曲集》作品 68，是其中第 10 首。光是聽到這段旋律，彷彿就能看見一位農夫在豔陽下快樂工作的畫面；不僅旋律明快，還能練習用左手彈奏主旋律，非常適合初學者。

值得一提的是，「快樂的農夫」這個標題是舒曼本人親自命名的，透過標題，我們更能理解作曲家想要描繪的畫面與情境。

《青少年曲集》共有 43 首短小作品，每首難度都相對親民友善，適合兒童或初學者彈奏，且每首小品都可單獨演奏。我在為學生選擇浪漫樂派入門曲時，常會挑選這本曲集，但通常不會全部彈完，而是選出其中較有名、或技巧上需要加強的曲目來練習。

二、兒時情景，Op. 15-7〈夢幻曲〉

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接下來要介紹的，可說是舒曼作品中最廣為人知的樂曲之一。

這首經典鋼琴曲出自舒曼 1838 年創作的作品 15《兒時情景》（Kinderszenen, Op. 15）第7首—〈夢幻曲〉（Träumerei）。

就彈奏技巧而言，這首曲子難度不會太高，速度較為緩慢，但每個音的音色細節都非常重要。演奏者需特別注意如何呈現不同層次的聲部，讓旋律清晰展現。

這首曲子溫柔深情，卻又帶著淡淡憂傷，彷彿描繪著一個孩子沉浸在白日夢中的場景，而這份夢幻感又流露出成年人對童年的懷念。

看到《兒時情景》這個名稱，你可能會想：「這是寫給小孩彈的鋼琴曲嗎？」——其實完全不是！

《兒時情景》共有 13 首短小鋼琴曲，是舒曼以成人視角回顧童年，透過音樂表達對往事的追憶與感懷。每首都描述一個簡短的童年片段，如「捉迷藏」、「請願的小孩」、「鬼來了」，都是他孩童時期的深刻印象。

整套曲集風格自然樸實，展現出舒曼純真的一面。演奏時通常會完整呈現整套曲目，但並非所有曲子都適合初學者，有些難度其實不低。而今天介紹的第 7 首《夢幻曲》是其中最受歡迎的一首，也常被單獨演奏。

三、森林情景，Op. 82-1〈森林入口〉

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如果說《兒時情景》是向內探索童年記憶，那麼接下來這套作品，舒曼則是將目光轉向外在的自然世界。

聽到這段音樂時，你腦海中會浮現什麼畫面呢？

這首是舒曼作品 82《森林情景》（Waldszenen, Op. 82）的第1首——〈森林入口〉（Eintritt）。

音樂一開始，彷彿描繪著一個頑皮的孩子站在神秘的森林入口，想像著即將展開的奇妙冒險。

《森林情景》是舒曼 1848 年完成的作品，共有 9 首短小鋼琴曲。

我以前沒有練過這套作品，但這次深入研究後發現它非常動聽。或許因為作品名為《森林情景》，然後我本身就很熱愛大自然，經常登山、健行，所以聽到這個作品時，眼前總會浮現一片綠意盎然的景象，彈奏時感覺心曠神怡！

難度方面，建議大家可先嘗試這首〈森林入口〉，若覺得不難、且有興趣，再繼續往森林的深處探索。

四、彩葉集，Op. 99-1

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接下來要介紹的兩首作品，都來自舒曼晚期整理的兩套特別曲集。

首先是《彩葉集》（Bunte Blätter, Op. 99）的第1首。

彈奏這首時，我就被它溫柔浪漫的旋律深深感動。後來得知，這是舒曼 1838 年寫給未來妻子克拉拉的聖誕禮物。當時他們正處熱戀，卻遭到克拉拉父親強烈反對，舒曼便常以音樂向她表白，整首曲子充滿了戀愛的甜蜜氣息。

說到《彩葉集》的由來，其實非常有趣～1850 年底，舒曼翻出許多過去未打算出版或被退稿的作品，原本計畫以「糠秕」（Spreu）為名出版—「糠秕」在德文中指穀物脫粒後剩餘的外殼碎屑，比喻那些沒有價值、被篩選掉的東西。

這……實在太謙虛了吧！

後來出版商不同意這個過於自謙的標題，於是舒曼將曲集分為兩套：先於 1851 年出版《彩葉集》（Op. 99），兩年後的 1853 年底再出版《冊葉集》（Albumblätter, Op. 124）。

五、冊葉集，Op. 124-6〈搖籃曲〉

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這首選自舒曼作品 124《冊葉集》第 6 首—《搖籃曲》（Wiegenliedchen）。

我覺得這首非常純粹，聽起來就像搖籃曲一樣溫柔寧靜，技巧難度不會太高，是這套曲集中最容易上手的曲目。

《冊葉集》宛如舒曼創作生涯的「時光寶盒」，收錄了更多未發表作品共 20 首，創作年代跨度更大，從 1832 年至 1845 年，橫跨 13 年之久。

幸好舒曼最終出版了這些作品，這些原本可能永遠塵封的「遺珠」，最終以《彩葉集》和《冊葉集》的形式與世人見面，成為後世樂迷認識舒曼的珍貴紀錄。

結語

以上就是本次推薦的舒曼五首經典入門鋼琴作品：從適合初學者的《青少年曲集》，到最廣為人知的《兒時情景》〈夢幻曲〉，再到充滿大自然氣息的《森林情景》，以及舒曼晚期整理的《彩葉集》和《冊葉集》。

透過這些作品，我們可以看到舒曼創作的一個重要特色——他特別偏愛以「鋼琴套曲」形式創作。一旦習慣這種手法，你會期待每套曲集中的每首小品，因為每首都像獨立的小故事，串聯起來又能呈現完整意境。

如果你喜歡今天介紹的作品，舒曼還有許多其他熱門鋼琴套曲值得探索：如作品 9《狂歡節》、作品 12《幻想小曲集》、作品 2《蝴蝶》。當然，他也有一些獨立的大型作品，如作品 17《C大調幻想曲》、作品 28-2《升 F 大調浪漫曲》，這些作品難度較高，但同樣充滿舒曼獨特的浪漫詩意。

我其實彈過不少舒曼的作品，但總覺得永遠無法完全理解他——他的音樂變化多端，時而慷慨激昂，時而多愁善感，確實需要細細品味。

每次談到舒曼，就不能不提他與克拉拉那段克服萬難、終成眷屬的愛情故事。我之前有做過一部片在講他們愛情故事，如果有興趣可以回去看看喔！

🏥 鋼琴技巧急診室

最後想提醒大家，雖然文章介紹的是「經典、入門友善」的鋼琴曲，但要將這些古典作品詮釋得好，還是得投入相當多的練習功夫、及正確的方法練習。如果你想在鋼琴彈奏能力上有所突破，我很建議大家可以購買好和弦的《鋼琴技巧急診室》線上課程。

這套課程清楚整理了彈琴過程中各種常見的技術問題與改善方法；我自己也從課程中獲得許多處理學生問題的啟發，確實幫學生調整了不少彈奏動作和練琴習慣。內容具體又好吸收，希望大家在彈奏這些名曲時更加得心應手喔！

樂譜下載

以下是文章中五首舒曼作品的 IMSLP 免費樂譜下載連結：

巴赫寫給第二任妻子的情書：《安娜瑪格達蕾娜筆記本》

Sun, 12 Oct 2025 17:28:03 +0800

如果你學過鋼琴，你一定彈過那首旋律優美的 G 大調小步舞曲。

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很多人一直都以為它是巴赫的作品，但其實這是一個持續了將近 250 年的錯誤——這首小步舞曲根本不是巴赫寫的！而這一切，都要從巴赫送給他妻子的一本筆記本說起。

音樂之父的雙重身份

巴赫（1685－1750）是巴洛克時期的德國作曲家，為鍵盤樂器、管風琴、合唱、管弦樂等各種形式寫下了上千部作品。他擅長運用對位、和聲技巧，讓每個旋律線條都像精密的建築——理性又充滿感性。

諷刺的是，這麼偉大的作曲家，在當代其實沒有獲得應有的重視。過世之後，他的作品甚至被遺忘了近百年！直到浪漫樂派時期，孟德爾頌重新挖掘出他的作品並發揚光大，世人才驚覺——原來音樂可以這樣寫！後來他被尊稱為「音樂之父」。

不過這個稱號還有另一個原因——他真的很會生小孩。

巴赫與第一任妻子的小孩們

巴赫有兩位妻子（當然不是同時啦）。第一任妻子是他的堂姐瑪莉亞‧芭芭拉（Maria Barbara），他們一共生了七個孩子，只有四位活到成年。在十八世紀那樣的醫療條件之下，嬰兒的存活率大約只有 50%。

慶幸的是，存活下來的孩子中，有兩位後來成為傑出的音樂家：W. F. Bach（威廉‧弗里德曼‧巴赫）與 C. P. E. Bach（卡爾‧菲利普‧艾曼紐‧巴赫）（C. P. E. Bach 真的很有名～！）

1720 年，當巴赫某一次出遠門回來時，卻發現妻子芭芭拉已經過世並下葬了，連最後一面都沒見到。

巴赫與第二任妻子的小孩們

一年多後的 1721 年，巴赫娶了他的第二任妻子——安娜‧瑪格達蕾娜（Anna Magdalena），也就是我們接下來要講的這本筆記本的主人。

這位安娜小姐也是出自音樂世家，是一位女高音聲樂家，比巴赫小 16 歲。他們一共生了十三個孩子，六個活到成年，其中有名的有約翰‧克里斯多福‧弗里德里希‧巴赫，還有約翰‧克里斯蒂安‧巴赫，後者後來成為「倫敦的巴赫」，在歐洲享有盛名。

所以算一算，兩段婚姻總共 20 個孩子。人稱「音樂之父」，除了他對音樂的貢獻外，光是養家就是一項艱鉅的任務了。

兩本精心準備的禮物

今天的主角，就是巴赫送給安娜的音樂筆記本。其實巴赫一共送了兩本筆記本給安娜，分別是 1722 年和 1725 年的版本（像不像精品手提包？）

左：1722 年的筆記本 | 右：1725 年的筆記本

1722 年的筆記本在他們結婚後不久贈送，收錄了五首大鍵琴組曲，跟後來被稱為「法國組曲」的樂曲有很多相同的地方。

1725 年的筆記本更有意思了！這本比較大、裝飾也更精美，看起來就像是一份精心準備的禮物。而且裡面的內容更加豐富多元！不只收錄巴赫的作品，還包含了其他作曲家的音樂，像是他的兒子們、法國作曲家庫普蘭（François Couperin，1668－1733）、管風琴家貝姆（Georg Böhm，1661－1733），還有作曲家佩措爾德（Christian Petzold，1677－1733）的作品。請記住這個名字，等一下會再提到他！

1725 年筆記本中的一頁

1725 年筆記本中的內容，大部分是由安娜親手抄寫的。雖然巴赫確實「贈送」了這本筆記本給安娜，但她並不是一位被動的學習者，而是主動參與抄寫、整理音樂的人。這也讓我們看到一個不一樣的巴赫——不是那個嚴肅的對位法大師，而是一位鼓勵妻子參與音樂創作的夥伴。

《巴哈初步》其實是一本精選集

如果你有彈過《巴哈初步》，你可能會想：「這首不就是裡面的第 3 首跟第 10 首嗎？所以《巴哈初步》就是安娜筆記本嗎？」

其實不是的！這裡要澄清一個常見的誤解：先是有了安娜筆記本（1725 年），後來 19 世紀的出版商才從中選出一些簡單、適合初學者的樂曲，集結成《The First Lessons》這本樂譜，也就是我們比較熟悉的《巴哈初步》鋼琴曲集。但兩本並不完全一樣。

所以《巴哈初步》可以說是安娜筆記本的「精選集」，但不是全部內容。

持續 250 年的烏龍

還記得文章開頭提到的那首 G 大調小步舞曲嗎？這首曲子的真正作者是佩措爾德（Christian Petzold），就是我們前面提到過的那位。他跟巴赫是同時代的作曲家，曾在宮廷擔任管風琴師。

這首曲子因為被收錄在安娜筆記本中，所以長期被誤認為是巴赫的作品。直到 1970 年代，學者們透過仔細研究手稿、比對風格，才終於考證出真正的作者是佩措爾德。

有趣的是，在真相揭曉的五年前，美國流行樂團 The Toys 甚至把它改編成流行歌曲〈A Lover’s Concerto〉（《愛人的協奏曲》，YouTube 連結），成為一首熱門金曲——當時他們還以為自己在致敬巴赫呢！

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除了這首 G 大調小步舞曲以外，還有另外一首 G 小調小步舞曲也是佩措爾德寫的，這兩首可以說是姊妹作。

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那問題來了！既然不是巴赫寫的，為什麼這些曲子會出現在筆記本裡呢？答案其實很簡單：在 18 世紀，音樂家之間互相分享作品、抄寫彼此的樂譜是常有的事。巴赫會選擇把佩措爾德的這兩首小步舞曲收錄在給妻子的筆記本中，正說明了他很欣賞這些作品的教學價值——不僅旋律優美、技巧難度適中、結構清晰，非常適合作為學習鍵盤樂器的教材。

所以如果你想開始接觸巴赫的作品，不妨從《安娜筆記本》（或《The First Lessons》、《巴哈初步》），或是這兩首小步舞曲來練習吧！

番外篇：抽菸都能想到地獄的巴赫

對了，這本筆記本裡還收錄了一首有趣的「歌曲」——沒錯，是有歌詞的喔！

這首〈菸斗詠嘆調〉（BWV 515），完整標題是〈一位抽菸者的啟發性思考〉。歌詞藉由抽菸斗這件日常小事，思考人生與死亡的哲理：人就像菸斗一樣，都是泥土做的，終將化為塵土。歌詞還幽默地描述，當被菸斗的灰燼燙到手指時就會想——如果這小灰燼都這麼痛，那地獄之火該有多可怕啊！

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一位抽菸者的啟發性思考，BWV 515

巴赫連抽個菸都能想到死亡和地獄？不愧是虔誠的路德教派信徒。這首歌雖然充滿了路德教派的道德勸誡，但用輕鬆詼諧的方式呈現，讓我們看到巴赫的生活也是充滿了幽默感。

結語

今天深入探討了巴赫的《安娜筆記本》這部作品，希望對大家有幫助！

以後如果你再聽到那首 G 大調小步舞曲的時候，可以很明確地告訴朋友：這首曲子其實不是巴赫寫的唷！

5 首德布西經典鋼琴名曲，帶你探索印象派音樂的魅力世界！

Sun, 21 Sep 2025 16:24:15 +0800

德布西是印象樂派的大師，他的每一個音符都像在畫布上調色一樣，充滿了色彩和想像空間。但說實話，他的很多作品對初學者來說確實有門檻，複雜的和聲與技巧要求往往讓人望而卻步。

不過，先不要放棄！德布西也寫過許多相對親民、技術門檻比較沒那麼高的作品。今天精選的五首作品，不會讓你彈到崩潰，但絕對能讓你體驗到德布西的多重人格，從溫柔夢幻到調皮搗蛋，應有盡有。

💡 德布西真的沒有很簡單

在開始之前，還是想要溫馨提醒一下～雖然我說這次分享的曲目不會難到崩潰，但是要彈到好，絕對不是容易的事。

這次的選曲平均為 ABRSM 八級以上，其實八級只是進入古典音樂的一個開始，並不是終點，難度請大家自行斟酌。如果你覺得太難，可以當作認識曲目；如果喜歡也可以當作未來想彈的目標樂曲喔！

💤 夢 Rêverie

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《夢》是德布西最親民好上手的作品之一。右手輕柔、反覆出現的音型，配上左手如撥動豎琴般的伴奏，一句接著一句，慢慢將聆聽者帶入夢境般的虛幻空間。

對演奏者而言，這首作品雖然技術難度不高，但是需要有非常好的音色控制能力及踏板技巧。

整體而言前半部的難度更為親民，後面兩頁開始，音樂的起伏及變化較多，另外也有左右手聲部切換等等的技巧；就像夢裡突然出現的激動情節，把你從半夢半醒中喚起，然後再把你送回夢鄉。

我個人覺得，這首《夢》是踏入德布西音樂世界的完美入門曲。和聲豐富、意境深遠。如果你想開始探索印象派音樂，就從這裡開始吧！

🎪 小黑人 Le petit Nègre

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這首超級淘氣的樂曲是德布西在 1909 年受委託創作，要拿來作為教育用途的作品。

這首曲子的英文名稱叫做「The Little Negro」，是指美國奴隸制度下的黑人。倒不是德布西在種族歧視，而是他刻意用這首曲子來描繪 19 世紀美國南部的一種舞蹈形式——步態舞 (Cakewalk)。

這種舞蹈最一開始是一種雙人舞，參賽者要用非常正式但又滑稽的方式進行，誇張地模仿小步舞曲或華爾茲的優雅動作。而且由奴隸主擔任評審，贏家可以獲得蛋糕作為獎品，所以叫做 Cakewalk，蛋糕走路，其實諷刺意味十足。

在音樂上，Cakewalk 通常會用 2/4 拍來記譜，充滿重拍和切分音。德布西故意用了一些不協和、聽起來很逗趣的音程，來製造那種小黑人在耍寶、俏皮搗蛋的效果。

順帶一提，德布西還有另一首以 Cakewalk 為題材的作品，就是《小孩子的天地》裡面的〈黑娃娃的步態舞〉，同樣非常有名！這可能反映了當時歐洲對美國黑人音樂文化的興趣。

演奏技巧方面，如果你可以掌控好這首很強調的 articulation，像是重音、連跳，並且能夠用穩定、比較快的節拍來彈奏的話，應該就可以把這首曲子的效果表現出來囉！

👱‍♀️ 前奏曲 - 亞麻色頭髮的少女 La fille aux cheveux de lin

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聽完了搞笑滑稽的作品，接下來你將進入一個截然不同的世界。因為你即將看到一位亞麻色頭髮的少女站在你面前……

這首是出自德布西 1910 年《前奏曲》集中的第八首——《亞麻色頭髮的少女》。從音樂中好像可以聽到一點蘇格蘭民謠的影子，有點像葛利格的創作風格。短短 39 小節，不到 3 分鐘的長度，卻營造出極強的畫面感——彷彿看到海邊山坡上，一位亞麻色頭髮的少女平靜地凝望遠方，柔順的髮絲被海風輕拂。

這個標題不是德布西隨便取的，靈感是來自於法國詩人勒貢特·德·列爾 (Leconte de Lisle) 在 1852 年寫的同名詩。

這首其實技術上不算困難，卻被列為 ABRSM 的八級考曲。我想一來可能是因為它是降 G 大調，降記號比較多；二來是它有許多特別的和聲，除了要把隱藏在其中的主旋律彈出來，還要控制好音色及踏板，要彈到好也是要注意非常多的細節的！畢竟你也會希望你創造的這位少女可以以清新脫俗、有氣質的樣貌出現，而不能是非常狼狽的樣子。

🌙 貝加馬斯克組曲 - 月光 Suite bergamasque - Clair de lune

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如果要選一首最具代表性的德布西作品，《月光》絕對榜上有名！它是出自德布西的《貝加馬斯克》組曲當中的第三首，也是整套組曲中最著名的一首。

這首的標題是源自保羅·魏倫 (Paul Verlaine) 的詩集中的一首同名詩作。詩中描繪化妝舞會的舞者彈著魯特琴起舞，在華美的偽裝下卻暗藏憂傷。他們的歌聲與那「悲傷而美麗的月光」交織，讓樹上的鳥兒陷入夢境，使噴泉因狂喜而哭泣。

德布西就是有辦法把月光用鋼琴「彈」出來！他用分解和弦模擬月光灑落的感覺，配上那種朦朦朧朧、似有若無的和聲，真的會讓人覺得置身在月光下。音樂既浪漫又有點淡淡的憂傷，就像詩裡描寫的那種華麗舞會背後的複雜情緒。

這首彈得好，其實我覺得是非常不容易的！不僅是音色的控制，速度控制也是一個重點。

開頭是寧靜而唯美的氛圍，就像月光灑下的畫面。多個雙音夾帶著旋律，我們不僅要將旋律及和弦的層次彈出來，還要注意多個聲部在進行。

進入第二段，德布西指示以更自由的速度演奏，左手連續的分解和弦隨即展開，引領樂曲進入最具流動性的樂段。此時音樂彷彿暗示著在平靜的月色掩映下，正醞釀著某種暗潮洶湧的情感波動。

另外值得一提的是，這是一首 9/8 拍、複合拍子的樂曲，每一大拍被切割成了三份，但有時又會看到有「二連音」，要將拍子分成兩份。中間轉換的部分不能太突兀，很多人彈這首時，節奏都靠感覺或記憶，但我建議練習前一定要把拍子完全看懂，然後在德布西給的框架之下，再根據你對樂曲的詮釋來掌控速度。

🧬 第一號阿拉貝斯克（或「華麗曲」）Arabesque No. 1

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「阿拉貝斯克」是阿拉伯的藝術風格，指的是那種像藤蔓一般相互纏繞的花紋；在音樂上，指的是具有裝飾性、繁複而華麗風格的樂曲。所以這裡的「阿拉伯風格」跟真正的阿拉伯音樂沒有關聯喔！純粹是裝飾風格的概念。

其實德布西寫了兩首「阿拉貝斯克」，但是第一首又更有名了一些。在這首樂曲中，你會不斷聽到分解和弦、琶音等等的技巧，營造出華麗、絢爛如花紋般的旋律線條。

這首曲子是中階往進階滿必練的樂曲，裡面有非常多不同的技巧，像是琶音力度控制、雙聲部控制、二對三不規則節奏等等。

🧙‍♂️ 特別加碼：老頑固 Doctor Gradus ad Parnassum

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《老頑固》出自德布西為女兒創作的《小孩子的天地》組曲第一首。

這套《小孩子的天地》是德布西當了爸爸之後，為女兒創作的 6 首小品，描寫從兒童角度看到的世界。這 6 首每一首都有標題，而且這些標題跟音樂本身的連結度非常高，你光看到標題，然後再聽到音樂之後，應該都會會心一笑，因為德布西真的很擅長用音樂來描繪畫面！有興趣大家可以去聽完整音樂。

原文標題「Doctor Gradus ad Parnassum」意為「通往帕納索斯山的階梯博士」。其實德布西取這個名字是有特殊含義的！

18、19 世紀曾有許多標榜「通往帕納索斯山的階梯」的練習曲出版，宣稱能讓技巧邁向高峰，但內容都是無聊的機械性重複練習。德布西故意加上「Doctor」一詞，諷刺這些練習曲明明無聊卻裝得很有學問。

音樂生動地描繪小孩練習練習曲的情境：開始時不情願地彈奏，中間因無聊開始打瞌睡（音樂慢下來），快結束時精神又來了，趕快彈完收工。極具童趣和幽默感。

🏥 鋼琴技巧急診室

18 世紀有「通往帕納索斯山的階梯」，21 世紀有好和弦的《鋼琴技巧急診室》！不用一直機械式地重複練習爬階梯，而是直接找到技巧瓶頸、對症下藥。如果你的鋼琴技巧真的卡關了，快到這個頁面看掛號看診吧！

總結

這五首（加一首）德布西作品各有特色，從夢幻的《夢》到調皮的《小黑人》，從詩意的《亞麻色頭髮的少女》到浪漫的《月光》，再到華麗的《阿拉貝斯克》和幽默的《老頑固》，充分展現了德布西音樂的多樣性。

雖然這些是「相對不難」的德布西作品，但仍需要一定的技巧基礎和音樂理解。透過這些作品，相信你能更深入地感受德布西音樂那層神祕面紗後的豐富內涵。

樂譜下載連結

以下是文章中六首德布西作品的 IMSLP 免費樂譜下載連結：

夢 Rêverie
小黑人 Le petit Nègre
前奏曲 - 亞麻色頭髮的少女 La fille aux cheveux de lin（《前奏曲第一冊》中的第 8 首）
貝加馬斯克組曲 - 月光 Suite bergamasque - Clair de lune（組曲中的第 3 首）
第一號阿拉貝斯克 Arabesque No. 1（《兩首阿拉貝斯克》中的第 1 首）
老頑固 Doctor Gradus ad Parnassum（《小孩子的天地》組曲中的第 1 首）

IMSLP（國際音樂樂譜圖書館計畫）提供免費的公共領域樂譜下載，所有樂譜均為合法使用。

《植物大戰殭屍》組曲，鋼琴獨奏 PDF 樂譜！

Sat, 13 Sep 2025 20:56:10 +0800

《植物大戰殭屍》是我人生中玩過數一數二好玩的遊戲。雖然已經推出超過十五年，但依然是經典中的經典！其中最令我印象深刻的就是它的配樂，每一關都有專屬的 BGM，至今聽到那些音樂，都能瞬間喚起當年的美好回憶。

錄製這段演奏影片時，我本來還想說用即興演奏就好，但因為音樂實在太多也太複雜，涵蓋許多樂器和聲部，想要完美呈現，還是得要寫一份完整的樂譜才行。

幸好有 Wiwi Kuan 的神助攻，他幫我編了一個超細緻的版本，和弦還原度超高，彈起來也超順手，當時就有許多朋友敲碗要樂譜！現在我們決定把這份樂譜放到官網上，讓想 Cover 的朋友自己動手玩！按以下的連結下載：

🌱 請按這裡，下載 PDF 樂譜！ 🧟

溫馨提醒：如果大家要公開表演或拍成影片，記得註明原作曲者 Laura Shijihara 和編曲者 Wiwi Kuan 的名字喔！

學琴 1-3 年就能彈！五首親民的貝多芬鋼琴經典作品

Sun, 31 Aug 2025 15:24:23 +0800

提到貝多芬，大部分人腦海中浮現的可能都是那些超有名但也超有挑戰性的曲子。不過今天我想換個角度，跟大家分享五首在初學者到中級者範圍內，我覺得最能代表貝多芬風格，同時又相對好上手的經典作品。

很多學琴一到三年的人，常常覺得貝多芬離自己還很遙遠，但其實他也有不少作品在這個階段就能開始挑戰了。這些曲子一樣充滿了貝多芬獨特的音樂語言，只是在技巧門檻上比較親民一些。如果你正在學鋼琴，想要感受貝多芬的音樂魅力，但又不想一開始就面對太困難的挑戰，那麼接下來這些作品應該很適合你。

埃柯賽斯舞曲，WoO 83

第一首要推薦的是《埃柯賽斯舞曲》，WoO 83。先跟大家說明一下，WoO 是什麼意思呢？它是德文「Werk ohne Opuszahl」的縮寫，中文就是「無作品編號的作品」。通常是作曲家沒有正式發表的作品，或是比較早期的小品。所以看到 WoO 編號時，你就知道這是貝多芬比較輕鬆、沒那麼嚴肅的作品。

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這首埃柯賽斯舞曲有著濃濃的蘇格蘭鄉村風格，既然是舞曲，自然就帶著活潑動感的特色。WoO 83 由六個精巧的小片段組成，旋律真的很好聽，我自己練習時都覺得心情特別好。雖然看起來不複雜，但也能在演奏中展現不少個人風格。如果覺得難度剛好，拿來當表演曲目也很棒。

G 大調小步舞曲，WoO 10-2

體驗完活潑的舞曲後，接下來我們換個口味，來感受一下貝多芬優雅的一面。聽聽看這首 G 大調小步舞曲 WoO 10-2。

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在學古典樂的過程中，大家應該常常看到「小步舞曲」這個名字。可能會有人好奇：怎麼許多不同的曲子都叫小步舞曲呢？其實「小步舞曲」不是特定某首曲子的名稱，而是一種舞曲類型。它來自法國宮廷，是男女對舞用的音樂，通常是三拍子，在十七、十八世紀的歐洲貴族間很受歡迎。

因為是給貴族跳舞用的，小步舞曲的速度不會太快，三拍子的韻律剛好能展現宮廷舞蹈追求的那種優雅氣質。貝多芬這首 G 大調小步舞曲就很有這種感覺，優美又不會太長，相信很多人都聽過這個旋律。

給愛麗絲

接下來這首《給愛麗絲》，應該是真正家喻戶曉的經典了。因為實在太有名了，所以這次一定要介紹！

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大家對開頭的 A 段都很熟悉，單聽 A 段可能會覺得還好，技巧上不算太難。但進入中間 B 段時，音符就變多了，節奏也比較密集。到了 C 段，左手有很多重複的單音，右手則要不斷變換和弦，這些都需要一定的演奏技巧和踏板控制能力。

《給愛麗絲》這首曲子很有趣，說難不算太難，但要彈得好也不是那麼容易。英國皇家音樂學院把它列為五級考曲。如果是要考檢定，我通常比較不建議選這首，主要是因為彈的人真的太多了。但如果你之前沒接觸過，當作練習曲或放進自己的曲庫裡也是很好的選擇。

月光奏鳴曲第一樂章

聊完這首大家都知道的《給愛麗絲》後，現在我們要進入貝多芬更深層的音樂世界了。說到貝多芬，就一定要提到被稱為「鋼琴新約聖經」的鋼琴奏鳴曲系列。

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《月光奏鳴曲》第一樂章應該是其中最知名的之一。這首慢板樂章的旋律和和聲都超美，也經常出現在各種電影裡。我今年去澳洲墨爾本音樂廳聽了一場「Classic 100」音樂會，演出的都是觀眾票選最愛的古典樂曲，《月光奏鳴曲》第一樂章就是其中一首。演奏時舞台上還搭配月光般的投影效果，那個畫面和音樂搭配起來真的美到不行。

如果你比較喜歡安靜、內斂一點的音樂風格，這首會很適合你。

悲愴奏鳴曲第二樂章

最後一首同樣來自貝多芬的奏鳴曲名作：《悲愴奏鳴曲》第二樂章。

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技巧難度來說這個樂章不算太高，但演奏時有很多細節需要注意，像是音色的處理、各聲部間流動的線條等等。如果能掌握好這些要點，這首絕對是經典中的經典，很值得花時間練起來。

🎹 增進鋼琴技巧！

在學這些經典作品的過程中，有沒有發現雖然每首曲子風格不同，但常常會遇到一些類似的技巧挑戰？

如果你在練習時覺得技巧有點卡住，或是遇到一些解決不了的問題，我蠻推薦好和弦製作的《鋼琴技巧急診室》線上課程。

這套課程很有系統地整理了彈鋼琴常遇到的各種技巧問題和解決方法。我自己也從裡面學到很多關於學生常見問題的處理方式，實際幫助學生改善了不少演奏姿勢和習慣。內容很實用也容易懂，相信能讓大家在練這些經典作品時更順手。

能彈古典很幸福！

以上就是今天推薦的五首作品，不知道你是不是都有聽過呢？我很建議大家多接觸不同作曲家的經典作品，就像在收集寶物一樣，既能認識各個作曲家的風格，也能豐富自己的演奏曲目。你會發現能彈古典音樂真的是件很幸福的事情喔！

如何快速在網路上找鋼琴樂譜？

Wed, 20 Nov 2024 15:47:35 +0800

相信有在練古典鋼琴的大家，一定會常常有找樂譜的需求。相比於電子樂譜，我自己比較喜歡買實體的樂譜，因為除了覺得看紙本譜對眼睛比較好之外，練琴的時候可以很方便地在上面做記號，價格通常也不貴；而且通常我們買某位作曲家的一整本樂譜時，可以一次買到很多首曲子，就算沒有每首都練習，未來隨時拿出來練也很方便，甚至當作收藏也別具意義。

當然以上只是我的個人喜好，有時候我也會遇到來不及去書店或去網路上買譜，或是真的只想要某一首、不想買一整本譜的情況；這時候在網路找到一個可以合法下載、作品類別豐富的網站就很重要。所以今天想跟大家分享幾個安全、快速的找譜管道！

國際樂譜庫 - IMSLP

IMSLP 是一個線上的音樂圖書館，裡面藏有十三萬多件、一萬六千多位作曲家的作品（持續增加中）。這個網站合法的原因在於，它只收錄屬於公共領域的音樂作品，所以你如果要找巴哈、貝多芬、蕭邦等作曲家的作品，只要他們有出版過，在 IMSLP 上都很有可能可以找到。

imslp.org 首頁

直接搜尋作曲家名稱、作品名稱

假設我們要在 IMSLP 網站上尋找特定樂曲，例如貝多芬的《月光奏鳴曲》，只需要在搜尋欄中輸入作曲家和樂曲名稱，進到樂曲的頁面後，頁面的上半部通常會是錄音檔案，要再往下捲動才能找到樂譜。

我們現在所使用的樂譜，其實很多都是重新排版的。但 IMSLP 上面，卻藏有許多珍貴的早期樂譜，例如兩三百年歷史的作曲家手稿，或是他們還在世時出版的版本，有很多是市面上買不到的。想像一下，能使用與貝多芬時期相同排版、印刷方式的樂譜，是不是感到莫名的興奮啊！

在 imslp.org 上可以找到貝多芬《月光奏鳴曲》的手稿

使用樂器編制搜尋樂譜

除了用作曲家及曲名找樂譜之外，IMSLP 也可以用「樂器編制」來搜尋樂譜。

假設我想要找一份鋼琴、四手聯彈的樂譜，我可以點選網頁上方的「樂譜 - 樂器/流派」（下圖），進入頁面之後再選擇「樂器編制 - Keyboard」，就會跑出各種用鋼琴演奏的樂譜。從獨奏、雙鋼琴、三手、四手或更多手以上的聯彈都有，去裡面尋寶可能可以找到很多意想不到的樂譜喔！

不論是透過作曲家名稱直接搜尋，或是利用樂器編制來尋找樂譜，在 IMSLP 不只能找到知名作曲家的經典作品，也能找到許多稀有的改編樂譜和較少為人知的作品，是一個值得好好探索的音樂寶庫。

實用的 Google 找譜技巧

Google 搜尋功能也是我們最常用的找譜工具之一。以下給你兩個搜尋小技巧，幫助你更快找到需要的樂譜！

PDF 檔案格式搜尋

在 Google 搜尋樂譜時，我們可能會想要限定特定的檔案格式。如果要只搜尋 PDF 格式的文件，只需在搜尋詞裡加上 filetype:pdf。

例如，你可以搜尋 filetype:pdf jazz piano，就會找到與爵士鋼琴相關的 PDF 檔案。這個技巧不只適用於搜尋樂譜，搜尋其他資料也是一樣喔！

“index of” 進階搜尋技巧

最後我要分享一個很ㄎ一ㄤ的搜尋密技，如果你本來就會的話，你應該是跟 Google 很熟喔！

一般來說，網站管理者會關閉網頁主機的目錄列表功能來確保資料安全，避免一般人輕易瀏覽到主機上的所有檔案。不過，有些網站的管理者可能會忘記做這件事。當你在這類網站輸入某個還沒有放置網頁的資料夾名稱，就可以看到那個資料夾裡面的所有檔案。

這種應該關掉卻沒有關掉的目錄列表，標題常常會有「index of （資料夾名稱）」的字眼。例如我可以搜尋 "index of" piano books，也許就能找到許多存放在主機上的樂譜相關目錄。這些原本不應該公開的檔案就這樣暴露在網路上，等待著有心人去發掘，往往能找到意想不到的珍貴資源！

這篇文章的影片版

如果想看更具體的操作畫面，歡迎觀看以下的 YouTube 影片。希望大家之後都可以更快速、有效地找到需要的樂譜囉！

古典音樂家的作品編號怎麼看？

Sat, 16 Nov 2024 11:08:16 +0800

在彈古典樂曲的時候，我們常常會在開頭看到「Op.」、「No.」等等的英文縮寫，它代表的是什麼意思？為什麼有時候不同作曲家的作品，上面的英文縮寫會不太一樣呢？

貝多芬的第 21 號鋼琴奏鳴曲，上面寫 Op. 53

作品編號

Op. 是拉丁文 Opus 的縮寫，是「作品」的意思。在很久以前，作曲家們喜歡將作品照順序冠上所謂的 Opus Number，也就是「作品編號」；就像我們人有身分證號碼一樣，可以很明確、很方便地區別曲目！

一個編號可能會指派給「一首」曲子，也有可能是指派給「一整組」作品；作品編號通常可以看出作曲年代的先後。

以貝多芬的「月光奏鳴曲」為例

貝多芬第十四號鋼琴奏鳴曲，作品二十七，第二號

我們常常說的貝多芬「月光奏鳴曲」，其實只是這首曲子的小名而已。從上圖寫的「Op. 27 No. 2」我們得知，這是貝多芬的「作品二十七，第二號」。

但光是這樣還不夠完整，如果我們到一個正式的音樂廳聽現場演奏，上面的節目單一定會把完整的樂曲名稱寫好對吧！只要加上這個曲子的調性，並加上這是第幾首鋼琴奏鳴曲，這首曲子比較正式的中文名稱就完成了：「升 C 小調第 14 號鋼琴奏鳴曲，作品二十七，第二號」。

💡 完整英文名稱：“Piano Sonata No.14 in C-sharp Minor, Op. 27, No.2”

看到這邊你可能會有個疑問：為什麼作品編號後面還會寫「第二號」呢？這是因為一個 Opus Number 裡面可能不只有一首曲子，而是「一組」曲子。

像貝多芬這個 Op. 27 就是把兩首奏鳴曲當作一組，而這首《月光奏鳴曲》是這組作品的第二首。所以在敘述曲目名稱的時候，就要說「Op. 27 No. 2」。

後人重新編上的作品編號

但是，要替每個作品都編上作品編號，其實不是一件簡單容易的事情。

有些作曲家在作品發表當時，並沒有替每個作品編上編號的習慣；或因為作品數量真的很多，有些作品完成後並沒有馬上出版，反而是較後期的作品先出版，導致作品編號出現混亂或遺漏的情況。所以後來有些人，就替他們的作品編製目錄、重新編上編號。

莫札特 - K、KV

以莫札特為例，莫札特在世雖然只有三十五年，但他所留下的作品卻超過六百件。十九世紀時，奧地利音樂學家寇海爾（Ludwig Ritter von Köchel）替莫札特的作品做了一本目錄；這本目錄叫 Köchel Verzeichnis（德文：寇海爾目錄）。縮寫為 K 或 KV。

雖然寇海爾不是第一個、也不是唯一一個幫莫札特作品做整理的人，但他的目錄被公認為最具權威性。現在，我們看到大多數人提及莫札特作品時，都使用他編定的 KV 作品編號。

莫札特的作品這麼多首，而且很多都沒有曲名，還好有這些作品編號，讓我們可以很方便快速查閱或標示作品。

莫札特最有名的作品之一，KV. 545

巴赫 - BWV

另一個著名的例子是巴赫的作品編號。

我們常見到的編號系統為 BWV（不是 BMW），這是德文 Bach-Werke-Verzeichnis 的縮寫，也就是「巴赫作品目錄」。這個由 Wolfgang Schmieder 編排的目錄首次出版於 1950 年，其實是在相對近期才完成的。

其他作曲家的作品編號

除了前面提到的莫札特和巴赫之外，其他作曲家也有「非 Op.」的常用作品目錄編號：

史卡拉第：L（由 Alessandro Longo 編排）、K（由 Ralph Kirkpatrick 編排）、P （由 Giorgio Pestelli 編排）
海頓：Hob（由 Anthony Van Hoboken 編排）
舒伯特：D（由 Otto Erich Deutsch 編排）
李斯特：S （由 Humphrey Searle 編排）
德布西：L（由 François Lesure 編排）

💡 你知道嗎？

德布西只有一首弦樂四重奏是 Op. 10，此外就沒有作品有被冠上 Op. 號碼，因為他的作品幾乎都有曲名！

Op. Posth

最後還想跟大家分享一種很特殊的情況，有些作品是在作曲家是過世後才由後人整理出版的。這種作品通常會標示為「Op. Posth.」，其中「Posth.」指的是「Posthumous」，意為「死後的」。一個著名的例子是蕭邦的《幻想即興曲》，作品編號為 Op. posth. 66。

初學者常出現的 3 個節奏問題！

Thu, 07 Nov 2024 11:00:51 +0800

在學琴的過程中，「節奏感」真的超級重要！就像人們常說的「音樂是時間的藝術」，一旦開始正式演奏就無法重來。很多時候我們可能會太專注在「彈對音」這件事上，卻忘記了節奏的準確性，那會是什麼樣的情況呢？

彈鋼琴不是打字

如果我們只顧著彈對音，完全不管節奏，就會像是一個打字員在打字。

打字員有時候打得快、有時候打得慢也沒關係，只要最後呈現的文字是對的就好；但樂器演奏者可不能這樣，我們所呈現出來的成果好壞與否，是要看這段時間內，音樂是如何被演奏的。（當然找音過程除外啦～）

節拍不穩

許多初學彈琴的人常會遇到一個問題：在演奏時，因為需要思考接下來的音符，而導致演奏停頓或速度越來越慢。

如果你有這種情況，我會先建議把練習片段再細分成更小的單位（如 4-8 個小節），先把每一個小單位的樂句練熟。千萬不要在音都還不熟的情況就對節拍器練習，那會讓你不知所措，有種一直有人在後面追著你跑的感覺。

當練熟一個樂段之後，就可以拿出節拍器了！但許多人對節拍器的時候，仍然有可能會遇到一些困難：也許是對不上節拍器，或是一開始能跟上，但彈到後面就漸漸偏離拍子。解決的關鍵是「打開耳朵」，隨時留意拍點的位置。

將拍子數在心裡，或是用腳打拍子都可以；建議先單手練習，讓耳朵能同時聽到節拍器和自己彈出來的旋律，如果沒問題的話，再嘗試雙手一起彈喔！

聽不到節拍器？

如果總覺得彈一彈就聽不到節拍器的聲音，怎麼辦呢？通常我教學遇到這個狀況，我會在取得學生的同意後，輕拍他的肩膀打拍子，透過觸覺的方式讓他感受節拍器的拍點。通常這樣做之後，學生會比較明確地感受到拍點，並且有明顯的進步。

但是，畢竟學生自己練琴的時間遠多過鋼琴課課堂上的時間，我也不可能每天在學生旁邊拍肩膀。如果你練琴時喜歡觸覺的打拍子感受，我自己有使用並且滿推薦這款「會震動的節拍器」，可以綁在手腕、手臂上，使用的時候就像有人在你旁邊，透過觸覺幫你打拍子，而且它的震動幅度很明顯、操作也很簡單。如果大家有興趣的話可以看我的影片示範。

🎁 好康的

只要點這個連結購買，不僅可以享有優惠價格，同時我也會得到小額的回饋，謝謝你的支持！

節拍器如何使用？應該調多快？

另一個常見的問題是關於節拍器的使用方式和速度的掌控。

假設今天有一個樂譜，前面標示「四分音符 = 60」，數字代表的是每分鐘打幾下（beats per minute，或 BPM）。「四分音符 = 60」代表每分鐘有 60 個四分音符，也就是每秒鐘打一個四分音符。

四分音符 = 60，就是一分鐘有 60 個四分音符

如果曲子開頭沒有速度標示也不用擔心；只要參考樂曲前面的速度術語，用合適的速度彈奏就可以了。比如：Allegro 是「快板」的意思，那麼就以樂曲最終能夠以快板的形式呈現就可以。

舒伯特《作品 90-2》

⭐️ 小提醒

Allegro、Andante、Adagio 等的速度術語只是一個形容詞，方便演奏者了解這首樂曲並選擇適合的速度，並沒有一個「絕對正確」的速度。有些節拍器會非常「貼心地」在節拍器上面寫上速度術語對應的數字，但認為速度術語可以被「標準化」，其實是一個錯誤的觀念。所以若看到下圖這樣的、印著速度術語的節拍器，你就看看就好，不要被上面所寫的對應速度給限制住。

速度術語只是形容詞，沒有絕對的節拍器對應速度。

彈出正確的節奏

第三個值得關注的問題，是很多人會在八分音符、八分音符三連音和十六分音符之間切換時出現混亂。當你看到以下三種節奏型，能不能精準的掌握三種節奏的差別，並且切換自如呢？

以四分音符為一拍的拍子為例：

八分音符是將一拍分成兩份
八分音符三連音就是將一拍分成三份
十六分音符就是分成四份

有些人可能會把八分音符彈得太短，或是把三連音拉得太長，甚至出現四分音符拖拍或整體趕拍的情況。

因為這三種節奏都非常的常見，所以如果你想要特別加強這三種節奏，可以做「拍手練習」：用固定的節拍，練習將一拍平均分成兩份、三份或四份，熟悉後再切換節奏。這個練習能幫助你清楚理解將一拍分成兩份、三份或四份的差異，進而在遇到拍子轉換時，也能夠準確地將音符彈奏得均勻。

節拍穩定有多重要？

我常常用一個形象的比喻來說明節拍穩定的重要性：如果把音樂比喻成人體，音符就像是皮膚和肌肉，而節拍則是支撐整個身體的骨架。只有當骨架端正，整個人才能展現優美的姿態。同樣地，穩定的節拍能為音樂演奏打下堅固的基礎，進而更好地詮釋音樂。

看到這邊，相信你已經了解「節拍不穩」跟「節奏不對」的區別：

節拍不穩指的是彈奏時忽快忽慢，使用節拍器可以幫助我們保持節拍的穩定；
節奏不對是更需要迫切解決的問題（比如說分不清楚八分音符跟四分音符、或抓不到後半拍等等），建議從基礎開始，把每一種節奏型都看懂。

只要保持耐心、持續練習，相信大家一定能夠克服各種節奏問題！

你有在練琴時進入過「無我」的境界嗎？

Thu, 04 Aug 2022 20:09:50 +0800

記得大學的時候選修了一門心理學的課，課堂中老師提到了「心流理論」（Flow），讓我非常印象深刻，即使畢業多年，我偶爾還會在工作或做一些需要高度專注的事情時，回頭檢視自己在過程中有沒有達到心流。

「心流」指的是當我們完全沈浸、專注在自己所投入的活動之中，會進入到一段非常流暢的體驗，彷彿忘記了時間的存在一般，甚至會暫時忘卻其他的煩惱。

不知道你有沒有曾經在某個時刻有過這種體驗？以我自己而言，我覺得我的心流常常發生在寫稿寫得很順暢的時候，像我現在的目標就是要一口氣把這篇文章寫完，雖然還沒吃東西、肚子很餓，但是我希望不要有任何人來打斷我，因為我進入了一個非常有靈感且欲罷不能的感覺，如果被打斷了，我又會需要花一些時間才能重新再進入這種感受。

這種感覺也會發生在練琴時，當我非常專注在我的目標，比如像是研究某個樂段並且練熟，就會完全沒注意到時間的流逝，有時猛一抬頭才發現時間已經過了很久，結束時會覺得非常的滿足。

如果很多事情都可以進入心流，那麼也是一件很幸福的事！我突然想到像是愛情電影在某些片段，為了想呈現男女主角的甜蜜浪漫感，可能某一段就直接放他們甜蜜的畫面，然後就用背景音樂帶過。在這段時間，他們不會發生任何不好的事情，就好像進入心流一樣，一切都很順利；但是當音樂停止的時候，男女主角可能即將會發生大事或是起衝突。

那麼要怎麼樣才能進入心流呢？首先是你所從事的事情不能太簡單、太無聊，同時也不能太難或超出能力所及；也就是你本身必須對這件事有點在行，並且感興趣。

然後，為了要保持一定的專注度，最好把手機關靜音或是開飛航模式，以免一直被通知被中斷，而無法進入到流暢體驗。

以上是突然的有感而發，其實在很多事情上都可以應用，分享給大家。

只能帶一張（古典）專輯到荒島，我選哪一張？

Wed, 29 Jun 2022 01:44:04 +0800

曾經有一個學生問我，如果接下來的人生，我必須在一個荒島上度過，並且只可以帶一張專輯（一個古典作品）到那邊聽，我會選擇帶哪個作曲家的哪部作品？

聽到這個問題的時候，我覺得非常有趣：

第一，為何我到荒島上還可以聽音樂？
第二，為何我可以帶音樂，卻只能帶一首？ XD

但這都不重要，當下好多個選項在腦中閃過，一時之間還不知道該怎麼選，因為接下來人生這麼長，如果選擇的音樂作品只有一首那可太虧了，應該要選好幾首曲子組成的作品，才可以聽比較久。

我記得當時我好像是說舒曼的《大衛同盟舞曲，作品 6》，我知道這個答案可能聽起來很冷門，但是那陣子我真的愛上那部作品，而且它也是部鋼琴組曲，整套作品共有 18 首。我記得當下學生的反應好像很困惑，不知道為何我會選這首。

之後這個問題時不時會出現在我的腦海裡，每當我愛上某一部作品的時候，我都會更改我的答案。

像我後來曾想到我可以選柴可夫斯基的《四季》，在這個作品，柴可夫斯基用 12 首曲子來描繪一年之中的 12 個月。從他所寫的音樂當中，的確可以感受到四季的變化，這樣每個月我可以聽到屬於那個月份的曲子，總共有 12 首可以輪著聽，比較不會無聊。

後來又覺得蕭邦的《24 首練習曲》應該還是最值得的選擇吧！聆聽高難度技巧的音樂應該可以讓我在荒島上的日子不會太無聊。

但是偷偷小爆料一下，之前有陣子我花比較多時間投入蕭邦練習曲的時候，Wiwi 有一次就走過來問我「可不可以先不要彈」，因為我一直彈會讓他想起學生時期的時候，在琴房聽到隔壁間的同學為了準備期末考在練琴的感覺，讓他覺得心情有點緊繃。（看來下次要帶耳機彈了）

最後是我目前的答案，我覺得最耐聽，且好久都沒有再換過的選擇是巴赫的《平均律鍵盤曲集》，巴赫的作品真的百聽不厭，特別在我覺得心靈需要被淨空的時候，我就會播放巴赫的平均律。

24 個大小調各有耐人尋味之處，而且每一首還包含了前奏曲與賦格，整部作品又更長了呢！我最喜歡聆聽的版本，莫過於近代詮釋巴赫作品最為有名的 András Schiff 所彈的，每次聆聽時都覺得有不同感受，且好像被療癒了！

那麼你呢？你找尋到了最想帶去荒島的音樂了嗎（說得好像一定會去荒島定居一樣）？歡迎跟我分享！

5 首平易近人的蕭邦鋼琴曲推薦！

Tue, 28 Jun 2022 13:29:50 +0800

很多人學鋼琴的夢想是可以彈蕭邦的曲子，其實蕭邦有些曲子相對是比較簡單的，我今天要跟你介紹 5 首平易近人的蕭邦鋼琴曲，如果你覺得自己已經準備好的話，可以著手來練習看看喔！

1. 《A 小調圓舞曲，B. 150》（Waltz in A Minor, B. 150）

圓舞曲也叫做華爾滋，是 19 世紀最流行的舞曲之一，這種曲子的節拍皆為三拍子，在第一拍多為重拍。

蕭邦寫了滿多的圓舞曲，其中也有好幾首是在他過世後才出版的，像這一首《A 小調圓舞曲》就是介於蕭邦 33-38 歲的時候寫的，但卻一直到 1860 年（蕭邦過世 11 年後）才被出版。

這首曲子在開頭是微微悲傷的 A 小調，中間短暫轉到 A 大調，最後再轉回 A 小調；它會被我排在第一首來介紹，是因為三拍子的圓舞曲在節奏上相對比較好抓，左手伴奏形式也較為規律，沒有太多複雜的升降記號，我覺得是很好入門的一首曲子喔！

IMSLP 樂譜連結

2. 《降 E 大調圓舞曲，B. 133》（Waltz in E-flat major, B. 133)

這首的難易度我覺得跟前一首差不多，只是這首曲子是降 E 大調，跟上一首比起來，稍微難那麼一點點。

補充一下，在蕭邦那時候，很多曲子都是沒有曲名的，所以就會用「圓舞曲 in 某個調」，然後再加上作品編號來稱呼，這樣就基本上不會搞混曲目囉！（ABRSM 在 2017-2018 年的鋼琴考試，也有選這首曲子為指定曲喔）

IMSLP 樂譜連結

3. 《E 小調前奏曲，作品 28-4》（Prelude in E Minor, Op. 28 No. 4）

在《24 首前奏曲，作品 28》當中，蕭邦為每一個大調和小調都做了一首曲子，這個靈感很有可能是來自於巴哈的《平均律鍵盤曲集》；裡面每一首都蠻難的，唯獨這個第四首算是比較簡單、篇幅比較小也較為緩慢。

這首曲子左手部分的特色是同音反覆、半音下行的和弦進行，整曲聽起來是真的蠻悲傷的，據說這首在蕭邦的葬禮中有演奏喔！

IMSLP 樂譜連結

4. 《F 大調馬祖卡舞曲，作品 68-3》（Mazurka in F Major, Op. 68 No. 3）

馬祖卡是三拍子的、源自波蘭的民族舞曲，長度通常都不長，節奏上的特色是重音常落在第二或第三拍。蕭邦一生中寫了超過 50 首以上的馬祖卡舞曲，如果都沒有彈過的話，可以先練這首喔！

IMSLP 樂譜連結

5. 《如歌的，B. 84》（Cantabile in B-flat Major, B. 84）

也是一首蕭邦在世時沒有出版的曲子，這首曲子相對來說比較冷門、比較少聽到，我覺得這首有點像是蕭邦夜曲的風格，非常地優美，偶爾彈彈比較少人知道的作品也不錯！

IMSLP 樂譜連結

最後，這五首只是蕭邦眾多作品當中的滄海一粟，還有非常多的作品值得大家去慢慢挖掘及品味，祝大家練琴過程中都順利囉！

要如何練習樂理及聽力？

Fri, 17 Jun 2022 13:41:06 +0800

我們在學鋼琴的時候，學的不只是手上功夫，其實樂理也是非常重要的一環；對於樂理有一定程度的了解的話，對於鋼琴的學習（包含音樂的處理、以及音樂理解及詮釋等等）是會有很大的幫助的！

常常很多人會覺得，樂理是只有在要面對檢定或是考試的時候，才不得不學的科目；但真的完全不是這樣，樂理其實就存在於每天你聽到的所有音樂當中，只要你別把它當成一個「為應付考試而準備」的項目來學習，你會發現樂理其實非常有趣！

我今天要跟大家分享一個很好用且免費的，練習樂理和聽力的網站，雖然它所涵蓋的樂理都是非常基礎的內容，但我覺得它設計得相當實用。這個網站是全英文的，但不是複雜的英文，如果你不排斥看英文的話，應該就沒什麼問題啦！我平常也會跟我的學生分享這個網站，讓他們在家裡的時候就可以練習聽音、聽和弦、算音程、複習樂理等等。

網址是：https://www.musictheory.net/exercises

我在以下的這個直播，也簡單介紹了這個網站的使用：

大家可以到上面網址測驗一下自己的能力，我會建議要對樂理有一定的了解之後再進行，才不會越測驗越模糊、搞不清楚喔！另外，我覺得它的「即時解答」這個設計挺不錯的～答錯的話就會馬上知道！

最後，樂理的學習準備，除了跟自己的老師學習以及參考手邊的書籍以外，我最推薦的當然是去看「好和弦」做過的影片囉，裡面有非常清晰的解說。

當然學習樂理並不只是紙上談兵，在我們瞭解樂理基礎的同時，學以致用也是很重要的關鍵！祝大家學習樂理或是考試都順利：）

母親節常唱的「遊子吟」，其實是古典音樂？

Sun, 08 May 2022 14:18:53 +0800

以下是出自唐代詩人孟郊的文學作品；不知道在唸這段詩詞的時候，你的腦中有沒有閃過一段旋律呢？

《遊子吟》

「慈母手中線，遊子身上衣。臨行密密縫，意恐遲遲歸。誰言寸草心，報得三春暉。」

我們在母親節常唱的歌《遊子吟》的旋律，其實是出自 19 世紀的德國作曲家布拉姆斯（Johannes Brahms）的作品《大學慶典序曲》，它原先跟母親節是完全沒有關係的喔！

榮譽博士

在 1879 年的時候，有一間位在德國（現在是波蘭）的布雷斯勞大學，非常欣賞布拉姆斯對於音樂界的貢獻，因此想要頒發「榮譽博士」這個殊榮給布拉姆斯。

布拉姆斯其實一開始是有點尷尬，因為不久前，劍橋大學也來找過他，說要頒發「榮譽博士」給他，但被當時的他婉拒了。

這一次，布拉姆斯欣然接受了布雷斯勞大學的殊榮，並且做了《大學慶典序曲》當作一個謝禮；這首曲子的其中一段的旋律被節錄出來，被填入了唐代詩人孟郊的《遊子吟》，就是我們今天母親節常唱的歌。

（以下影片 2:00 處）

至於是誰把孟郊的《遊子吟》詩詞填進去當歌詞？這個就不可考了⋯⋯

為什麼唱歌要唱 Do Re Mi Fa Sol La Si？

Fri, 22 Apr 2022 17:12:30 +0800

我們在敘述音高的時候，常常會用音名和唱名這兩種講法：

音名就是 C D E F G A B，
而唱名就是 Do Re Mi Fa Sol La Si。

但是為什麼唱名要唱 Do Re Mi Fa Sol La Si 呢？今天就來聊聊唱名是怎麼來的吧！

中世紀的教會音樂可以說是研究音樂歷史的重要寶藏，因為當時的教會組織保留了很多儀式的音樂紀錄。

例如說當時他們有將「葛利果聖歌」用簡易的記譜法記錄下來，但他們是用「點、撇、曲線」的方式記錄音樂的高低起伏，並沒有明確地標示出音高跟節奏，所以必須透過傳唱的方式，或是真的聽過這些歌曲的人，才知道到底應該怎麼唱。

當時有一位重要人士 - 桂多達賴佐（Guido d’ Arezzo, c. 995-1050），除了是一位義大利傳教士之外，也是教會裡面一位教聖詩的老師。

因為當時的音高並沒有一個公定的「唱名」，所以每次唱一首新的歌的時候，桂多都弄得一個頭兩個大，因為團員們都只能用「記得音高」的方式搭配歌詞詠唱。

如果一首歌很長，或是有很多首歌要背的話，對於記憶力不太好的人來說，好像太殘酷了一點；對於音感不好的人，可能也很難發覺自己唱走音了。

所以桂多做了一件以前都沒人做過的事，他找了一首拉丁文讚美詩的詩句：

Ut queant laxīs

resonāre fībrīs*

Mīra gestōrum

famulī tuōrum,

Solve pollūtī

labiī reātum,

Sancte Iōhannēs.

把它套在一首曲調上面當作歌詞，而每句詩句的開頭音節 Ut、Re、Mi、Fa、Sol、La，分別對應到了六個不同的音高；之後，桂多就決定把 Ut、Re、Mi、Fa、Sol、La 這六個音節當作唱名。

至於只有六個音節的原因，是因為那個時代用的音階系統是六音音階。

而第七個唱名「Si」的出現，是在 17 世紀時由義大利音樂學家 Giovanni Battista Doni 把它加上去的；不僅如此，他也是把前面的「Ut」改成我們所習慣的「Do」的人。

延伸閱讀

「首調」和「固定調」又是什麼呢？ → 看這裡

聽莫札特的音樂會變聰明嗎？

Thu, 21 Apr 2022 20:33:00 +0800

莫札特效應

你有聽過「聽莫札特音樂可以讓你變聰明」的說法嗎？

坊間有非常多關於「聆聽莫札特的音樂，對嬰幼兒智力發展有良好影響」的傳聞，也許是經過了主流媒體、音樂唱片公司徹底的行銷手法所洗禮後，似乎也沒有人去思考它的真實性。「聽莫札特音樂可以變聰明」，彷彿變成一個不變的真理，烙印在每個人的心裡。

《自然》期刊的研究

其實這個說法也不是無中生有的。在 1993 年，心理學家在科學期刊《自然》（Nature）上面，刊登了一篇《音樂與空間推理的表現》（Music and Spatial Task Performance）的論文，正是這篇論文證實了這樣的「莫札特效應」。

在論文的實驗中，他們總共找來 36 個大學生，然後分成三組：

第一組，給他們聽 10 分鐘的莫札特的《D大調雙鋼琴奏鳴曲K.448》；
第二組，給他們聽一些令人放鬆的口白，
第三組則是完全沒有聽任何東西，

然後在十分鐘後，讓他們做圖像空間思維的測驗。

結果，什麼音樂都沒聽的那組得到 110 分，聆聽放鬆口白的那組得到 111 分，然後聆聽莫札特音樂的那一組得到的分數是 119 分，比另外兩組多了 8-9 分。

實驗中的圖像空間思維測驗

所以聽莫札特的音樂，真的可以變聰明？

因此那篇論文得出了「聆聽莫札特音樂後，空間推理能力會進步」的結論，當時這個論文的結果震驚了很多人。很多媒體也開始大肆宣傳「聆聽莫札特的音樂可以開發大腦、讓嬰兒贏在起跑點」等等的說法，衍生出很多的商業行為。

但是後來，質疑的反對聲浪開始出現。有些研究機構重新做了類似的實驗之後，發現聆聽莫札特音樂的人並沒有明顯分數較高的情形，認為莫札特效應無法複製；就算不是聽莫札特的音樂，只要是聆聽讓你心情變好的音樂，就有可能得到比較高的分數。

其實我覺得「莫札特效應」這件事，其中的商業炒作的成分是比較高的，當然我們不會否認古典音樂的美好，但是用此來作為行銷工具可能就不太美好了，你覺得呢？

「原典版」到底是什麼？我應該用什麼版本的鋼琴譜呢？

Mon, 26 Jul 2021 16:37:31 +0800

你有沒有過一種經驗：老師請你去書店買譜，結果店員拿出了灰版、黃版、還有很貴的進口版本，問你要哪一本？然後你想說既然都是同一首，不太知道差異在哪，那就選擇最便宜的一本譜吧！

其實，當我們在學一首新曲子的時候，「選擇一個好的版本」是很重要的！在這個文章我會說明一下這些譜的差異，並且實際舉例給你看喔！

你一定要知道的三種版本類型

市面上的樂譜版本大致可以分成三類：分別是 facsimile、urtext 和 interpretive。

Facsimile

Facsimile 這個字是「exact copy」的意思，它就是把原始手稿或是早期的版本，直接掃描下來的版本。但因為以前人沒有打譜軟體，字跡可能都已經不清楚或是太潦草；而且記譜的習慣或是寫法，隔了好幾個世代也會有些差異。

由於以上各種不好閱讀的原因，一般人平常練琴並不會用這種版本；我們現在會使用這種版本，多半是只為了它的歷史價值而已。

Facsimile 超級原汁原味，但是常常很難閱讀

Urtext

而如果樂譜出版商拿原始手稿或是早期版本為依據，重新用現代的字體打字排版，就有了我們常聽到的「原典版」（Urtext）。

原典版的重點是在於維持樂曲的「原味」，保留最接近原作曲家想法的原始內容；也就是依據作曲家的手稿、或是早期正式出版的樂譜，把它們重新打字，編排成乾淨、現代的印刷體，而出版商是沒有自己修改或是加任何東西上去的。

但其實，不同出版商出版的「原典版」譜，也可能會有些微的不同喔！畢竟要製作一個「原典版」的譜不是非常容易的事。手寫稿上面，會有非常多塗塗改改的痕跡，以前人又沒有立可白或是擦擦筆這種東西，有的甚至是改到已經模糊不清、亂七八糟的狀態；也有可能兩份手抄譜的內容不一致，或至正式出版的譜校對不完整的情況。

所以製作原典版的出版商，還是會去比較他們手上所有版本的差異，來去做比照和斟酌；有些原典版甚至會詳細列出他參照的每一個來源的差異在哪裡。因此很多原典版的譜，都會有還蠻長的前言，去解說他參考的來源，以及研究過程之類的，當然比較負責任的版本也一定都會有編輯者的署名。

所以講到這邊，雖然說原典版是最接近作曲家想法的版本，你們也不要覺得原典版所寫的就是「聖旨」，因為原典版本身也是有各種不同出版商、不同的學者研究的版本喔！

幾個比較有名的原典版像是：G. Henle Verlag、Wiener Urtext Edition、C. F. Peters Corp 等等。都是蠻貴的高級譜～

Interpretive Edition

Interpretive 版本，就是出版商不只是重新打字排版，還另外請音樂家、編輯者加入他們對於作品的詮釋跟想法。

你應該有看過一些樂譜，上面有非常多的踏板、大小聲、樂句連斷等等，教你這邊怎麼彈、那邊要怎麼彈的標示；標示的程度很多已經太過細節，這樣的譜就非常有可能就是 interpretive 類型的版本。

通常我們不會太建議學鋼琴的人直接使用 interpretive 類型的版本來當作他們的主要樂譜，或完全 follow 上面的所有指示；因為用這種譜的話，你沒辦法確定譜上的每一個記號，有哪些是作曲家原本就有寫的，哪些是編輯者他們加上去的。

當然，也許你使用這種版本的原因，就是想要得到一些編輯者的演奏詮釋意見，那我還是會建議你可以準備一本 urtext 版本來交叉對照會比較好。

比較一下

接下來，我們來比較一下「巴赫創意曲」，在不同版本有什麼差異吧！這套創意曲集裡面有二聲部跟三聲部的創意曲，各15首。我們今天就來看二聲部創意曲的第一首。

巴赫手稿

首先從巴赫的手寫稿開始，其實我覺得以手寫譜來說，這個算是寫得很美、很整齊的，但是有一個非差大的差異～就是他前面不是高音譜號耶！300 年前的寫譜習慣真的是很不一樣，這樣寫對現代人來說還蠻難視譜的；那至於左手的話，就是一般的低音譜號。

右手是「第一線的 C 譜號」

其他也有很多地方很不好辨識，比如說像它的裝飾音、漣音、震音等等的，只是一個抖抖的線畫過去，不知道到底要彈哪一種裝飾音；另外它的連結線，是一條短短的飄在空中，不像現代的習慣是黏著音符的。然後，它沒有寫速度、沒有指法、沒有任何演奏法、大小聲的標示，就是只有音而已。

整個是有點泛黃，邊邊角角也有點模糊，雖然說這樣的版本是比較貼近原作曲家的想法，但是彈奏的時候很難看也不是辦法。所以這時候就需要原典版出場了，也就是出版商根據文獻，重新排版之後的版本。

台灣全音出版社的「灰色」原典版（台幣 100 元）

接下來，來看看全音出版的這個灰色原典版。其實它還滿接近原版的對吧！沒有多餘的圓滑線或是跳音的標示，長音這邊的連結線就是用現代的習慣，黏著音符來寫的。

跟手稿幾乎一樣的內容，但是是現代印刷體

它的裝飾音，重新排版之後就看得很清楚到底是漣音還是震音，還有封面有說他是根據 1723 年手抄謄譜，並參考流傳之抄譜而編定，不是編輯者隨便自己改的。這本譜裡面的指法是原稿裡面沒有的，所以他有清楚的標示，指法是由「漢斯 · 馬丁 · 特爾伯」先生標上的。

封面有標示指法作者

德國 G. Henle 的「深藍色」原典版（定價美金 23.95 元，大概是台幣 740 元）

這個德國 Henle 版，同樣是原典版，但是製作更精緻，連用的紙張都比較高級，而且封面還滿厚的，我很寶貝這本，不太會在上面做什麼記號。

它的巴赫創意曲，跟剛剛看的灰版沒有太明顯的差異，因為畢竟不能亂加東西；但是比起台灣的原典版，在下方有比較多文字的註記，像是在左邊這一頁它下面有附註「巴赫的其中一個學生的抄譜裡面有這樣寫」，然後在右邊這一頁下面他說「方形括號裡面的裝飾音是來自次要的參考來源」，感覺考據很嚴謹。

其他除了像指法因為畢竟是不同人編的，所以一定會不太一樣之外，我還有看到一個很微小的差異。像是 Henle 版的第 11 小節的這個 B，其實是不需要標示還原記號的，但它還有在這邊特別標註提醒式的還原記號，而全音灰版是沒有這個還原記號的。

台灣的全音出版社「黃色」版（台幣 80 元）

這就是前面說的 interpertive 類型的版本，也就是出版商加註了很多自己的詮釋、說明的版本。

這個版本，不得不說，我發現一個很奇特的東西：在第六頁，什麼叫「C 大長」阿？我知道「大調」的日文是「長調」，但是「大長」是什麼我就不太確定了！

吸～大～腸～

它也有附贈一些彈法上的教學說明，像是音量、漸強漸弱的標記，而且多了很多圓滑線、斷音等等的演奏法標示，都是在原典版或是手稿都沒有的；而最上方只有註明巴赫在世的年份，不像前面兩個版本是寫作品編號的。

再來是這上面有註明速度：「Allegro (♩= 120)」。我們知道在巴赫的年代，節拍器是還沒有被發明的，所以這個速度記號一定是編輯加上去的。

還有一個很重要的，這個黃版，它在裝飾音上面跟原典版有很明顯的不同，在第二小節，黃綠版是寫「從本音往下彈」的「mordant」，另外兩本原典版都是寫「上方音跟本音交替」的「trill」，而一般專輯比較常見的彈法，其實是原典版的這個彈法。

既然如此，我們比對一下手稿這邊，你覺得它中間有那一條直線嗎？其實沒有耶～那這個版本為什麼覺得應該要改成中間有畫一條直線的那種裝飾音呢？它是參照哪一個來源的呢？

最後這邊第六點的註解我也覺得很妙，它寫說「此處的斷音符號實際上並無意義，但暗示著樂句在此處間斷」，所以…..這個註解有點太多餘了吧？自己加了原版沒有的標示，然後又自己說在此處無意義，有點搞笑！

這就是我們比較不推薦學生使用像是這種黃綠色版本的原因，尤其是很多鋼琴老師都會很用力要求學生一定要遵照譜上作曲家的每一個標示，但是在那之前，也許我們應該先確定譜上的標示，真的是來自作曲家本人的嗎？

結論

介紹了以上四個版本之後，我可以稍微做一個總結。樂譜的版本基本上分成三種：

第一種是原始版本的直接掃描，facsimile。
第二種是原典版或 urtext 版，也就是照著原始版本重新打字、但是不添加任何東西的譜。
最後一種是 interpretive，有加入編輯者意見的版本。

我會建議所有學鋼琴的人，學新曲子的時候，主要使用原典版，而且最好是編輯嚴謹的出版商，像是今天說的 Henle 出版的原典版，因為這樣你才能很有信心的知道，你在譜上看到的東西真的是原作者的意思；如果還是有地方有疑問，你可以上 imslp.org 去找找有沒有手稿，或是早期版本的掃描來對照。

Interpretive 的版本，還是可以當作參考資訊來用；但用的時候，你要知道這不是最原始的版本，它有加入很多別人的意見，不要完全被這個版本限制住，或甚至被誤導。

最後你可以想想，我們彈鋼琴的時候，真的需要一字一句完全按照樂譜上面寫的東西彈嗎？甚至更進一步想，「一字一句完全按照樂譜」到底是什麼意思？怎樣才叫做按照樂譜和不按照樂譜呢？這些問題就讓你帶回去思考囉！

初學鋼琴用數位鋼琴可以嗎？

Wed, 14 Jul 2021 20:27:09 +0800

很多人問我，剛開始學鋼琴的時候，可不可以用數位鋼琴？如果用數位鋼琴，會不會影響觸鍵？我是覺得「初學鋼琴不該用數位鋼琴」這個問題應該算是一個迷思吧！今天我要來分享我的觀點，以及如果真的選擇要買數位鋼琴的話，在挑選上需要注意什麼。

先說結論

懶得讀文章嗎？那我先說結論：我認為初學者用數位鋼琴是可以的！雖然數位鋼琴當然沒有真的鋼琴彈起來那麼好，但是它可以解決很多更重要的現實問題：

預算不夠
空間不夠
下班才能練琴，但時間已經太晚（會吵到家人、鄰居）
還不確定喜不喜歡鋼琴，不想初期投資太多

大部分人無法買鋼琴，很多都是因為以上難以解決的現實原因。所以對這些人來說，數位鋼琴就是唯一的解決方案，他們的抉擇其實不是「我應該買真鋼琴還是數位鋼琴」，而是「我應該買數位鋼琴，還是根本什麼都不買」。

對於初學鋼琴的人來說，重要的其實是要把音樂的基本能力（音感、節奏、和聲、樂理）建立起來，數位鋼琴即使觸感及反應不如真鋼琴，但用它來練習，還是可以得到很多進步的。（就算是我跟 Wiwi，我們也常常用數位鋼琴來練琴）

觸鍵太輕，影響指力？

一般認為不該用數位鋼琴最主要的原因，可能是擔心數位鋼琴的「觸鍵太輕，影響指力」，針對這一個疑慮，我要釐清兩點：

彈鋼琴不是在做重訓，用很重的鍵盤訓練「指力」，真的不會讓你彈得比較好聽，那不是彈鋼琴的重點。
物理上來說，大部分的數位鋼琴其實「沒有」比真的鋼琴輕多少；但大部分數位鋼琴的反應，的確會讓你覺得琴鍵好像比較輕。（但我們可以設定它的力度反應）

力度曲線（Velocity Curve）

數位鋼琴的琴鍵重量是固定的，我們不能改變數位鋼琴物理上的琴鍵重量，但是可以透過一個設定，讓你「感覺」琴鍵的重量改變了！

這個神秘的設定，通常在數位鋼琴上叫做 Velocity Curve 或是 Key Touch 之類的；它是用來設定，在數位鋼琴上用同樣的力度彈奏的時候，它發出的聲音亮度會是多少。

當 Velocity Curve 或是 Key Touch 的設定值比較低的時候，你只要輕輕彈，就可以得到很亮的聲音。
當設定值比較高的時候，你必須比較用力彈，才能得到比較亮的音色。

我的 Roland RD-700SX 的力度設定畫面

你想想看，如果只要輕輕彈，聲音就已經很亮的話，你就會覺得琴鍵好像很輕嘛；反過來說，當你需要很用力，才能得到一樣亮的音色的話，你就會覺得琴鍵好像很重。數位鋼琴就是利用這種原理，來調整琴鍵的「重量」的。

而我認為大部分數位鋼琴出廠預設的 Velocity Curve 設定的確都太輕了（也就是輕輕彈聲音就很亮），所以就常常導致練數位鋼琴的人都養成「輕輕彈琴」的習慣，到真的鋼琴上時當然就覺得使不上力了。

所以，我建議你去查一下你數位鋼琴的說明書，把它的 Velocity Curve 設定到偏重的模式，它的力度反應才會比較接近真正的鋼琴喔！

買數位鋼琴的秘訣

接下來跟你說幾個買數位鋼琴的重點。

要買 88 鍵的

這一點很重要，如果你這台鋼琴是要買來「練琴」而不是「編曲」，那你一定要買 88 鍵的數位鋼琴！千萬不要買不足 88 鍵的，因為當你練到一定程度之後，一定會發現鍵盤不夠用。（除非你很喜歡買東西的感覺，不會覺得之後還要再換一台數位鋼琴很麻煩⋯⋯）

買大廠牌的

這個聽起來可能有點現實，就好像你買高價位的東西，應該都會想要找有品牌有口碑的，比較值得信賴。像 Roland、Yamaha、Korg 都是在台灣很常見的、廣受大家信賴的大廠牌，所以基本上你只要去找這些廠牌當中，符合你需求的數位鋼琴，基本上應該沒什麼問題。

周邊設備

除了數位鋼琴本身之外，你還要考量有沒有「踏板、木架」要一起購買。

另外數位鋼琴的踏板，一定要買「漸進式」的，也就是可以控制深淺的踏板；而不要買「開關式」的，也就是只有「踩」跟「不踩」兩種狀態的踏板。

Yamaha 的 FC5（開關式）和 FC3A（漸進式）

像上圖左邊的 Yamaha FC5 踏板就是「開關式」的踏板，不能控制踏板的深淺，其實外出用這個還算蠻方便的啦！但是如果你大部分都是放在家裡，練琴的時候用的話，就還是買個像右邊這支 Yamaha FC3A、「漸進式」的踏板比較好喔！（當然，如果你用的是別的廠牌的數位鋼琴，你要儘量買同一廠牌的踏板）

至於一支踏板是「開關式」還是「漸進式」，不能只用外觀來判定；有些「開關式」的踏板，外觀看起來也像是上圖右邊那一種，所以要看規格表才準喔！

直接告訴我買哪一台啦！

先聲明，這篇文章沒有業配喔！以下真的是我自己平常會私下推薦給學生買的「入門級」數位鋼琴，價位大概都在兩三萬左右：

Roland FP-30
Yamaha P-125
Korg G1 Air

如果預算比較高（五萬以上），也許考慮：

Roland RD-2000，或較舊版的 RD 系列也可
Yamaha CP88

每台琴的特色我就不在這部影片說明了，大家可以去看 YouTube 很多人開箱或是介紹的影片！

雖然整篇文章到這裡為止都在聊數位鋼琴，不過話說回來，其實也有些狀況不錯的二手直立鋼琴，也許五萬多台幣就能買到了；至於如何挑選二手鋼琴才能不踩雷的話，之前我也有做過影片，大家可以去看喔！

畢竟，當你鋼琴練到一定的程度，終究還是會需要一台真鋼琴的，所以如果你覺得你這輩子都會一直彈鋼琴的話，還是可以考慮排除萬難買一台真的鋼琴啦⋯⋯

給鋼琴初學者的建議～入坑前須知！

Wed, 14 Jul 2021 20:26:53 +0800

今天想來給初學鋼琴者一些建議。從我教課以來看過很多人在學習上遇到的各種狀況，因此想要跟大家分享幾個學鋼琴該注意、入坑前必須知道的事情。如果你是想考慮要學鋼琴、或是已經在學的（特別是大人）的話，不妨繼續往下看喔！

不要低估成本

很多成人初學者會過於低估學琴所需付出的成本，這邊指的成本包含了金錢成本和時間成本。找老師、買鋼琴、租琴房都需要錢；練琴也需要時間，這代表下班之後你要犧牲一些看劇、休息的時間來彈鋼琴。

當你確定要學鋼琴的時候，你要做好心理準備，知道接下來的每一天，基本上你都要花至少 30 分鐘到一小時以上的時間來練習。隨著曲目越來越難，要投入的時間也可能會增加，但同時你也會在學習的過程中感受到成長進步的樂趣啦。

就算是你覺得未來並沒有要把它當作職業、只是想學個興趣，都還是一樣要有很多的練習；因為不練習，就不會進步，而沒有人會對自己不在行的事情持續地有興趣。

努力→成果

這邊跟大家分享一個「學習曲線」圖，來看看努力跟成果之間的關係：

x 軸：努力 / y 軸：成果

當我們剛學習一樣東西的時候，沒辦法馬上可以達到你的目標，或是投入多少努力馬上就看得到回報，因為在學習的初期努力跟成果不是一個直線關係，而是一個曲線。

在初期，這個學習曲線可能看起來平平的，但是你只要抓到要領並且持續練習，也許通過一個點之後，你的進步速度會快速地上升。也就是說，在快速進步期來臨之前，要能夠沈得住氣、持續努力。

我自己在教學上有遇過許多學生，不管是完全初學，或是學過好幾年的，在學習上都曾經遇過一些問題。這邊特別提一下我的其中一個學生，他在找我之前已經學過三四年的鋼琴，彈得也不錯，但是因為之前拍子沒有完全搞懂，所以每次彈新曲子前，都是先聽他老師先彈完之後，背起來回家練。

後來我帶他練習節奏，要他遇到複雜拍子時不要逃避，靜下心來理解、自己試著明確的打拍子。一開始他是有點痛苦，而且這個不舒服大概也持續了幾個月，但是我真實的感受到某一次，他突然頓悟了！就算是一連串的十六分音符、附點八分音符、一堆連結線，他都可以彈對，我就知道他真的理解了。

畢竟建立習慣也是要一些時間，以前習慣用猜的，現在要學會自己看，也是需要時間突破的。

不要急

我之前遇過一個大人學生，他說他因為看了一部動畫之後，興起了想要學鋼琴的念頭，覺得彈鋼琴太帥了！想要在他朋友面前彈很帥的曲子。其實到這裡都沒什麼問題，代表他很有學琴的動機，但是通常越是一開始熱情如火的，就越有可能學得不久，因為他們都太心急。

果真，這位學生才上了幾堂課，剛會看五線譜，左右手合手都還不是很穩定，就開始對於一些技巧上的要求有點不耐煩，覺得「這樣到底什麼時候才可以彈很厲害的曲子？」。

我覺得他可能把鋼琴課想像成「短期補習班」了。也許像「駕訓班」那樣？只要通過課程考試之後，就代表全會了，可以上路了！（事實上，就算是拿到駕照也不代表你會開車好不好，不然路上怎麼會有那麼多三寶？）

「學鋼琴」這件事比較好的類比，也許是「學畫畫」；畫畫跟音樂都是屬於藝術類，它們沒有一個絕對、但是永遠都可以更好。

今天如果要你用鉛筆畫一個蘋果，任何沒學過畫畫的人馬上就可以畫出一顆蘋果，但是「會畫畫的人」畫出來的蘋果，一定會跟我畫的不一樣。

我的蘋果 vs. 「會畫畫的人」畫出來的蘋果

那個學生問我什麼時候才可以彈貝多芬的悲愴奏鳴曲？答案是：「你現在馬上就可以彈，但是你會彈得很糟。」所以沒有人這樣做！

況且學鋼琴不只是要學鋼琴技巧，還有對音樂的感受度、樂理等等的事情都很重要，而且這些永遠學不完。就算是很厲害的老師，他們也是持續一直在練習跟學習，網路上你看到的很多彈得很好的人，都是花了很多年的時間堅持過來的啊！

就像前面講的學習曲線圖，如果你還沒有達到你的目標，三分鐘熱度過了就放棄了，那你跟你的目標理想真的就會擦肩而過了。

我忘記之前聽誰說過，雖然學習的過程很辛苦，每天都要花時間練琴。但是如果某一天未來的你，回頭過來看，你絕對不會想說：

「阿～我小時候應該早點放棄鋼琴的！不該練這麼久的！」

通常都是小時候沒有好好練習，然後長大才後悔的情況比較多。

不要挑食，多聽各種音樂！

我遇過蠻多人在學習鋼琴的時候都會有一些預設立場，像是：「我只要想學流行歌，不想學古典鋼琴」或是「我只聽古典音樂、很排斥別種音樂」或甚至「平常都沒什麼在聽音樂」。

這樣其實都是一種音樂上的偏食表現，其中我覺得完全不聽音樂的應該是最不好的；因為如果平時沒有建立自己跟音樂的連結，那你今天對音樂的感受度一定是很生疏的，甚至在音感、節奏、或是對音樂的理解、可能也會比較薄弱！

沒事就多聽音樂好嗎？

聽古典音樂，你可以品嚐它的層次與細膩。

聽流行音樂，你可以觀察主流音樂風靡的理由。

聽爵士音樂，你可以接受更多元、複雜的和聲。

每一個音樂風格都有它存在或是吸引人的原因，所以真的建議學鋼琴的人也要培養一雙會聽音樂、而且不挑食的耳朵！

其實學鋼琴的好處真的滿多的，我如果以後有小孩，一定會讓他學音樂！因為我遇過很多從小學鋼琴的人，就算長大後沒有繼續學琴、沒有走音樂專業，至少都還有一些音感、節奏感；也許他未來不知道哪一天，會因為曾經學過音樂，而開啟了他的另外一扇窗也說不定。

我們平常如何錄 Podcast？

Tue, 13 Jul 2021 17:14:55 +0800

今天想來跟大家分享我們的《好檸檬 Podcast》是怎麼錄製的。

我們的 podcast 已經錄了快要 50 集了，但老實說，每次的設備跟器材都是 Wiwi 一手包辦的，我就只要坐下來錄音就好，有時候別人問我做 podcast 要買什麼、怎麼設定，我就直接給他看好和弦影片⋯⋯

但是這樣下去好像也不是辦法，所以我決定要自己了解這些器材設備跟設定，並且自己操作、跟大家介紹～我覺得如果由我來講的話，應該對初學者來說可以更簡單了解（因為我原本也不會），所以如果你也是對器材設備比較不了解的人，這篇文章應該能夠幫到你喔！

用什麼錄？

錄 podcast 第一個會想到的必備器材，當然就是麥克風囉！關於麥克風其實有一個小知識，那就是麥克風最常見的類型有兩種：動圈式麥克風和電容式麥克風。

動圈式麥克風：因為它比較不靈敏，所以錄音的距離要比較近。錄 podcast 的時候，我們基本上都是坐著、直接對麥克風講話嘛，所以錄 podcast 就是一個非常適合用動圈麥克風的情境。低靈敏度麥克風的好處就是，它比較不會錄到你周圍環境的聲音，不會一個風吹草動就錄進去，所以很適合一般人在不是特別安靜的房間中使用。
電容式麥克風：它是比較高靈敏的，優點是聲音細節更多，可能也更自然，但缺點就是會容易錄到更多周圍不想要的聲音。

結論是，以純講話 podcast 的情況，對大部分人來說都是比較推薦動圈麥克風，除非錄音空間很安靜，或是你有錄製唱歌、樂器等等的其他需求。

錄去哪裡？

有了麥克風之後，接下來要怎麼錄、錄去哪裡呢？你一樣有兩種選擇，一種是錄去電腦上的編曲軟體，一種是錄到獨立錄音器裡。

錄進電腦

想要錄進電腦裡的話，使用任何編曲軟體，像是 Logic、Cubase、Reaper、Reason 等等的都可以。但很多新手比較害怕的是不知道怎麼接，其實很簡單。

一般麥克風最常見的只有兩種接頭，一種是 USB，另一種是 XLR。USB 接頭大家應該很熟，就是你每天在用的、可以直接接上電腦的接頭；而 XLR 是三孔圓圓的接頭，需要透過「錄音介面」才能接電腦。

XLR 線（三孔圓圓接頭）

「錄音介面」就是可以把聲音錄進電腦裡的東西。在以前，錄音介面通常長得像是一個盒子，不過現在已經進化成各種東西（混音器、數位鋼琴、錄音筆、麥克風）都常常有內建可當錄音介面使用的功能了。

不論你是用 USB 麥克風，還是 XLR 麥克風透過錄音介面錄到電腦，錄到電腦的最大優點就是錄完的時候，檔案就已經在電腦裡了；而缺點就是要一直開著電腦、開著軟體、還要擔心電腦會不會不穩或是突然跳出什麼有的沒的的東西。

錄進獨立錄音器

Rode Caster Pro

我們自己比較喜歡的作法，是直接錄進獨立錄音器裡面。

如果你有看我們 podcast 的影片版的話，應該就會看到我們平常都是用 Rode Caster Pro 來當混音器和錄音器。它非常容易用，就是麥克風跟耳機接上去，按錄音鍵就可以開始錄音了，比電腦穩定很多也方便很多。

如果你覺得 Rode Caster Pro 很貴，也許你可以看看 Zoom H5，它是一個可外接兩支麥克風的獨立錄音器。

結論

所以結論是，對初學者來說，我們覺得錄到獨立錄音器會比較好。因為錄到電腦裡，電腦要全程開著、還要操作軟體、還可能不穩，讓人無法好好主持節目，還是用獨立錄音器直接錄到 SD 卡簡單多了。

錄音時的小秘訣

接下來是幾個錄音時的小撇步要跟大家分享。

注意噴麥：很多人錄音的時候，常常會「噴麥」，你只要放一個防噴罩就可以解決這個問題了。但比起防噴罩，我們更喜歡用麥克風海綿，直接套上去超方便！
注意音量：測試看看你講話最大聲的時候會多大聲，總之就是以「即使是最大聲的情況也不會破掉」為原則。如果有兩個人以上的話，音量一開始就調到類似會更好處理。
注意距離：保持離麥克風的距離穩定，不要一下離太近、一下離太遠，電容麥克風的話可以大約保持在 10-30 公分之間，如果是用動圈麥克風的話甚至可以更靠近。
一定要監聽：這一點超重要！不要想說只要對著麥克風講話就好（除非有別的工作人員在幫你監聽啦），錄音的同時一定也要自己監聽，這樣你才不會錄完之後才發現根本沒錄到或音質有問題。記得一定要用「有線」耳機喔！

錄完了，然後呢？

如果不用剪輯，又是用 Rode Caster Pro 的話，直接用它附的 app 輸出 MP3 檔案直接上傳就好了，它的 app 可以單鍵就把檔案輸出符合 podcast 平台需要的音量。

如果你用其他錄音器，需要手動處理音量，或是需要剪輯的話，可以試試看 Reaper，我們平常都是用它來編輯 podcast 和混音的，它處理大型檔案時的速度很快喔！

總結

最後做一下結論，如果你是初學者，要來嘗試做 podcast 的話，硬體設備方面，我會推薦你使用：

動圈麥克風（一人一支）
有線耳機（一人一支）
獨立錄音器：RODE Caster Pro 真的好用，預算不夠的話可能就換成 Zoom H5。

設備其實就這樣而已，有了這些就可以直接開始錄 podcast 囉！

我覺得目前做了快一年到現在，podcast 是我覺得很值得做的事情。相對於 YouTube 來說，podcast 的設備與剪輯真的相對容易一點，但 podcaster 與聽眾的連結，我覺得是比 YouTuber 還要更深的（畢竟聽眾花更長的時間持續聽你的聲音）；也因為 podcast 不能用一堆字卡、動畫、音效來分散聽眾的注意力，所以它也更適合有深度內容的節目。

所以如果你也想要做 podcast 的話，就趕快開始吧，然後一直做下去就對了！

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為什麼鋼琴叫做「Piano」？以及你可能不知道的鋼琴小故事！

Sat, 10 Jul 2021 22:52:34 +0800

2015 年 5 月 4 號，Google 首頁上的這個小動畫，是 Google 為了紀念發明了鋼琴的義大利人 Bartolomeo Cristofori 的 360 週年誕辰紀念日所設計的。

他是在用鋼琴彈奏巴哈的《耶穌，世人仰望的喜悅》(Jesus, Joy of Man’s Desiring)，右邊的 f 跟 p 可以控制彈琴的音量大小，他彈奏的時候眉毛會跟著動耶也太可愛。我想嘗試讓他彈別首，但可惜只有這一首可以玩。動畫中，鋼琴的發聲機制被特別放大了，一定是特別重要的吧？為什麼要特別放大呢？

大鍵琴的缺點

我們先來了解一下 Cristofori 的背景好了，Cristofori 出生於西元 1655 年 5 月 4 日、義大利一個叫帕多瓦（Padua）的城市，是一個樂器製造家。

在當時，也就是所謂的巴洛克時期，最流行的鍵盤樂器是大鍵琴。我還記得當我第一次聽到大鍵琴音色時，突然有肅然起敬的感覺。但在華麗的音色背後，大鍵琴其實有一個重大的缺點，就是它不會根據彈奏力度大小，而產生音量大小的區別，換句話說就是，不會因為你彈得比較用力，就比較大聲。

為什麼會這樣呢？這就需要來研究一下大鍵琴的發聲原理了。

撥弦／擊弦

這是大鍵琴內部的木桿（jack）的構造：

在靜止狀態時，制音器（damper）是壓在弦（string）的上面制住弦，而撥子（plectrum）在琴弦下方，不會有任何事發生。
按下琴鍵後，整個木桿會被提起、制音器離開弦、撥子撥動弦發出聲音。
放開琴鍵時，木桿下降，撥子滑過琴弦，制音器再度抑制住弦。

大鍵琴的木桿（jack）構造

不管你用多快的速度彈下琴鍵，撥子都是將弦挑起固定的高度後放開，所以彈奏的力度，不會影響到聲音的大小。

Cristofori 運用了他精通樂器的發聲原理以及工藝技術的專業，把大鍵琴改成用琴槌直接敲擊琴弦的方式發出聲音，這樣呢按鍵的速率就可以影響到音量的大小了，這也就是現在鋼琴的發聲方式。

他將他的發明取名為 gravicembalo col piano e forte（義大利語），意思是可以發出小聲（piano）、大聲（forte）的大鍵琴。上面 Google Doodle 裡看到的 p 跟 f，就是這兩個字的縮寫。後人把這個樂器簡稱為 pianoforte，後來又更簡化為 piano，這就是我們所熟知的鋼琴名稱的由來拉！

黑鍵與白鍵

既然講到鋼琴跟大鍵琴，再告訴大家一件事：就是我們現在看到的一般鋼琴是有 88 個鍵，其中有 52 個白鍵、36 個黑鍵，然而在很久以前，其實有很多大鍵琴和鋼琴的「黑鍵是白的、白鍵是黑的」。

Akai MPKmini MIDI 鍵盤

黑鍵和白鍵演變為現在的鍵盤樣貌的其中一個原因可能是，如果「白鍵」是黑色的話，鍵跟鍵之間就沒有明顯的線條區隔，在彈奏上比較不好辨識。在「白鍵」改為白色後，琴鍵與琴鍵之間可以明顯地看到黑色的線，在彈奏上較可以明顯看得出琴鍵的區隔，比較不容易看錯音。

當然現在，顏色相反（或是其他顏色）的琴也還是存在的囉！